samy da silva

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video channels: youtube / dailymotion / vimeo

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co-curator @ "body no / body" group show @ galerie bertrand grimont

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associated curator / partner: La Vidéothèque / vimeo / tumblr

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texte pour l'exposition "body no / body", april / may 2011

"la vie matérielle" pour La Vidéothèque, april. 2011

"la mémoire d'Anna" by anne-sophie emard @ la belle revue, jan. 2011

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community manager / blog designer / consultant:


"body no / body"

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transversales

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dziki

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roland quelven / sofia koublijoseph paris / guillaume baychelier /

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* see in this page:

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Posts

kiameku:

Richard Hughes
Untitled (match)
2003
Mixed media
24.2x8.5x6.1 inches

exit-weeping:

RH Quaytman, The Sun, Chapter One (Book One- Fear)

katiecarnes:

We see what we want.

thanks to regardintemporel:

Josef Sudek - Veiled Head, 1942

“tout ce qui tombe à terre a un poids”, by Anne Colomes, 10 min. 33, co-directors: Paulli Konttajarvi, Ville Vuorjoki, Arnaud Dejeammes, Krista Skold, Véronique Dutilly -/- Frédéric Papon

“Dust Restriction” - installation, by Herman Kolgen

“Cremaster 1”, by Matthew Barney, 1995, film cycle, part 1 of 5 chapters / dedicated website / on the Cremaster Cycle / “Nancy Spector has described the Cremaster cycle (1994–2002) as “a self-enclosed aesthetic system.”“, source

“…Its five constituent films, produced between 1994 and 2002, have been characterised by their author as filmic sculptures, though the Cremasters are to sculpture what physiology is to anatomy. You are encouraged to see them in the order in which they were made. That is: Cremaster 4, 1, 5, 2 and then the final work, 3: the pentalogy’s huge centrepiece and, at three hours long, sufficiently gigantic and mad to qualify as epic all on its own. The aggregate running time is over six hours. …”

from Peter Bradshaw’s review for the Guardian, 2003

‎”The Forty Elephants” by Alastair Cook, video / words by Gérard Rudolf

“no rest for the dreamer… / … not rest for the prophecy.. / tonight…”

‎”Bellevue”, 2007, by Michaela Schwentner, artist’s website - grateful to Edward @ gazelluloid

‎”Dans les paysages montagnards, les guides touristiques signalent le point d’où le panorama se découvre dans sa plus grande ampleur et dans sa splendeur la plus vertigineuse: c’est le “point sublime”“

Alain Besançon, Trois tentations dans l’église, p.158, Calmann-Lévy, 1996

“Home Sapiens Project (1) by Rouzbeh Rashidi / “Homo Sapiens Project is an ongoing series of experimental and personal video works by Rouzbeh Rashidi initiated in August 2011 for both online and screen context. Produced By Experimental Film Society”

“Raw Nerves - a lacanian thriller” by Manuel de Landa

“Autoportrait en noyé”, 1840, by Hippolyte Bayard / Collection Société française de photographie / Tous droits réservés. source

documentary “Paris is burning” by Jennie Livingstone / “body / no body” lab: drag / via & thx to @RosaManueal

“Paris Is Burning is a 1990 documentary film directed by Jennie Livingston. Filmed in the mid-to-late 1980s, it chronicles the ball culture of New York City and the poor, African American and Latino gay and transgendered community involved in it. Many consider Paris Is Burning to be an invaluable documentary of the end of the “Golden Age” of New York City drag balls, as well as a thoughtful exploration of race, class, and gender in America.”

…words taken from wikipedia

a fine paper by Julie Crenn on Tracey Rose: ” Le défi au corps” / body no / body lab: mascarades / masquerades

“Reconstitition” by Hélène Abram / artist’s wikipedia / body no / body lab: “expectations”_”attentes / “toutes les trois, au moins” / via & thx to Sabine Bultot

Umberto Eco

On The History of Ugliness”, conference by Umberto Eco / “body no / body” lab: “as it says on the tin” /

In “History of Beauty,” Umberto Eco explored the ways in which notions of attractiveness shift from culture to culture and era to era. With ON UGLINESS, a collection of images and written excerpts from ancient times to the present, he asks: Is repulsiveness, too, in the eye of the beholder? And what do we learn about that beholder when we delve into his aversions? Selecting stark visual images of gore, deformity, moral turpitude and malice, and quotations from sources ranging from Plato to radical feminists, Eco unfurls a taxonomy of ugliness. As gross-out contests go, it’s both absorbing and highbrow.”

video / sound / installation :”An Accumulation of Energy” by Marcia Jane & Dinesh de Silva

“I smell you on my skin” by Jenny Holzer (florence, 1996) / via & thx to: 

visual-poetry / “body no / body” lab: skin

Audio

  • chikuwa4649: Nouvelle Vague, “In a Manner of Speaking”.
    40 plays
  • lasonotheque:
    120 plays
  • from chikuwa4649 - @ChikuwaMarimo: Agalloch, “Kneel to the Cross”.
    13 plays
  • from a4rizm - @a4rizm / acousmata: Samuel Beckett: “Molloy I & II” From the album “…the Whole Thing’s Coming out of the Dark” (2000) An imaginative recording based on three texts by arch-modernist writer Samuel Beckett (Molloy, Company, and L’Image). Beckett produced a number of radio plays among his literary works, and he always had an acute concern for the sonic dimension of his writing. The title of this album is taken from a phrase he used to describe the uncanny quality of radiophonic listening. Beckett’s disembodied voices sound out the vast, unlit spaces of the existential condition.
    231 plays
  • invisiblestories: Brian McBride, “Mélodrames Télégraphiés (in B major 7th) Part 1”
    342 plays
  • luminousinsect: Der Blutharsch - Der Blutharsch VIII
    121 plays
  • lasonotheque curated by Chloé Dragna:
    120 plays
  • lasonotheque:
    140 plays
  • Guillaume de Machaut - Sanctus & Benedictus via colettesaintyves:
    40 plays
  • Mogwai, “Stop Coming to My House” via invisiblestories
    141 plays
  • Interview with Catherine Malabou, March 30th, 2010 (+download) via @ChikuwaMarimo chikuwa4649 - Merci à J.-P. Pastor @jppastor Source : http://www.mantlethought.org/content/philosophy-pushing-limits
    20 plays
  • chikuwa4649: Jacques Rancière on art. Source.
    40 plays

Posts

May 31, 03:38 PM


"body n/ body"


exposition collective / group show
14_05 - 30_07_11 - may 14 to july 30, 2011

*

vernissage / opening: samedi 14, 18-21h / sat. 14th, 6-9pm
*

artistes / artists:


commissariat / curators:
avec la complicité de / with: Chloé Dragna @ La Vidéothèque

(°) Anne-Sophie Emard, courtesy Galerie Odile Ouizeman
(*) Jean-Luc Verna, courtesy Galerie Air de Paris


(*) Julien Salaud, "Constellation du cerf (harpe)", 2011
tête de cerf, pointes, fil de coton blanc, lumière fluorescente, 
127 x 63 x 55cm 
/ deer head, nails, white cotton thread, fluorescent light
courtesy the artist & galerie Bertrand Grimont / credit: Aurélien Mole

/

April 15, 09:29 AM

/



May 16, 04:32 AM
Tarik Essalhi
né en / b.: 1981, France
sculpture: "La gardienne", 2011
plâtre, 50 x 46 x 40cm / plaster


courtesy the artist & galerie Bertrand Grimont / photo credit Aurélien Mole

courtesy the artist & galerie Bertrand Grimont / photo credit Aurélien Mole


/




"... La pièce de Tarik Essalhi, "Gardienne", simplement posée à même le sol de la galerie, agit comme une singularité dans la trame / espace temps de l'exposition, nous pourrions y reconnaitre (aussi) une silhouette humaine à échelle réduite, assise en tailleur et recouverte d'un drapé délicat, mais d'autres formes viennent aussi à l'esprit, évoquant la censure d'un phallus premier ou d'un organisme vivant en transition, chrysalide. La matière mate, porte encore la trace d'un autre état, aqueux et matriciel, précurseur et successeur du vivant, c'est une oeuvre-cycle en elle-même, inaugurant et clôturant un ensemble de tensions que l'on retrouve disséminées dans la constellation. ..."


/

July 08, 11:45 AM
Sophie Jodoin
vit & travaille à  / lives & works in Montreal, Quebec
dessin / drawing: "Hood 6", 2009, série "Hood"

gesso noir et conté sur mylar, 52 x 36cm / "Hood" series, black gesso and conté on mylar
image courtesy the artist



/

texte pour "body no /  body", extrait


"...Un dessin de la série "Hood" de Sophie Jodoin tend cette narration vers une vision paradoxale, à la fois directe et oblique, qui semble être une tête enserrée dans une étoffe, qui tendue du sommet du crâne jusqu'à la base de la mâchoire, épouse les reliefs d'un visage en nous le dérobant, puis s'évase en un drapé vers les épaules d'un buste suggéré. Figure cachée et montré simultanément, un écart entre le fluide et le figé, pour une surface traitée d'ombre et de matérialité qui appelle une multitudes d'images d'actualités et d'immémoriales contraintes, physiques ou métaphysiques, que nous activons et subissons de l'intérieur et de l'extérieur. Ici encore il s'agit de "pesanteur et de grâce". ..."








/





"Fists and Hands" 2008-2010, "War Series"
découpages de magasines sur mylar / cut outs from magazines on mylar
courtesy the artist & galerie Bertrand Grimont

/




May 13, 09:32 PM
Anders Weberg
né en / b.: 1968, Landskrona, Sweden
cycle / video works: ‘Dualism”, 2010, (02.15min.) + “Absent II”, 2011, (00.45min)

from "Dualism", courtesy the artist

“Anders is an artist working in video, sound, new media and installations and he is primarily concerned with identity. The human body lies at the root of projects that formally and conceptually chart identity and its construction as a preamble to broaching matters of violence, genders, memory, loss or ideology in which personal experiences co-exists with references to popular culture, the media and consumerism. Specializing in digital technologies, he aims to mix genres and ways of expression to explore the potential of audio visual media.”


from "Dualism", courtesy the artist

“Also the founder and curator of the Stian [con]temporary art gallery.

Currently based in the small village Kölleröd in the south of Sweden and has exhibited at numerous art/film festivals, galleries, and museums internationally, including:

Museum of Modern Art 2011, Buenos Aires, Argentina
FutureEverything 2010, Manchester, UK
National Museum of Contemporary Art 2010, Athens, Greece
Beijing Contemporary Art Centre 2010, Beijing, China
Cape 09 Art Biennale, 2009, Cape Town, South Africa
Biennale of Sydney 2008, Sydney, Australia
National Museum, Szczecin, Poland
File Brazil 07-08, São Paulo, Brazil
[10th] Japan Media Arts Festival, Tokyo, Japan
13th Barcelona International Festival of Advanced Music and Multimedia Art, SONAR, Barcelona, Spain
Scope New York, US
Museum of Contemporary Art (MAC), Santa Fe, Argentina
Pocket Films , Centre Pompidou, Paris
Videoformes, Clermont –Ferrand, France 
EMAF, European Media Art Festival, Osnabrück Germany.


source the artist

from "Dualism", courtesy the artist

from "Absent II", courtesy the artist


from "Absent II", courtesy the artist

Anders Weberg
Artist and Curator
Kölleröd 7374 S-24291 Hörby
Sweden



/


texte pour "body no /  body", extrait



"... Dualism", par Anders Weberg, met .../... en oeuvre cet élément liquide et nous rend spectateurs d'une silhouette humaine attachée à un dispositif en rotation irrégulière qui semble se prêter à un rituel, évoquant des narrations anciennes de transition ou d'initiation, l'aspect machinique constamment perturbé ou retourné par le fluide omniprésent, prévenant toute intrusion extérieure, et simultanément favorisant une vague de questions, dont celle qui nous poussent à poser un visage sur nos sujets d'empathie, parfois mimétiques, souvent arbitraires.

.../...

"Absent II" est video très courte tournée avec un téléphone portable par Anders Weberg qui fonctionne comme l'une de ces "microfictions" qui documentent une part de nos existences, celle-ci évoque le rêve et l'archéologie de la fabrication des images elles-mêmes, une sorte d'étude sur le mouvement et de restitution du sujet, parcellaire et organique, un petit archipel ou le détail contient le tout, y compris une certaine mélancolie. ..."

/


May 31, 05:20 PM
Lydie Jean-Dit-Pannel
née en / b.: 1968, France
video:  "L-INK”, 2010, (16.00min.), 16/9 format

courtesy the artist

"Une passerelle éthnicorganique, un continent oublié, un pow-wow géant, une fresque freaks.
Un traveling géant sur plus de 1000 bras tatoués."


Fresque vidéo réalisée pendant le Tattoo Art fest, Paris 2009


Remerciements : Laurent Agneessens / Pascal Tourain










Co-production : Bandits-Mages / Ars Numerica / Lydie Jean-Dit-Pannel, avec le soutien de l'ENSA Dijon
Monteur-truquiste : Patrick Zanoli
Remerciements : Yasmina Demoly
Images : Jean-Pascal Vial
Remerciements : Fiona Lindron
Première assistante : Lucie Mercadal
Régie plateau : Arnaud Pahin
Coordination tournage : Annelise Ragno, Marie Aerts
Photographie plateau : Emmanuelle Sacchet

L-INK © Lydie-Jean-Dit-Pannel 2010


courtesy the artist

courtesy the artist









Lydie enseigne la vidéo à l'Ecole Nationale Supérieure d'Art de Dijon. 
Depuis la fin des année 80, elle utilise et manipule l’image en mouvement (vidéo, installations, performances). 

Comme des timbres sur un passeport, les tatouages sur le corps de l'artiste illustrent ses pérégrinations à travers le monde, accompagnées depuis dix ans d'un journal vidéo, "Le PANLOGON", pour lequel elle a obtenu le prix de l'œuvre d'art numérique décerné par la SCAM en 2005."

courtesy the artist

courtesy the artist

voir aussi / see also arte video night


image courtesy the artist
"L-INK", making of

/


texte pour "body no /  body", extrait






"... Lydie Jean-Dit-Pannel, clos et relance le cycle avec "L-INK", une pièce élégiaque et hymne à la vie, un travelling de 16 minutes sur une multitude de bras tatoués où la caméra avance lentement, soulignant chaque singularité, captant la grâce de petits mouvements qui soulignent la puissance et la fragilité des sujets. Ici l'empathie est palpable, haptique. Ces êtres juxtaposant une part de leur souveraineté dans une fraternité tissée de signes et de don de soi, constituent un vocabulaire universel que la vidéaste nous rend dans une polysémie généreuse: motifs enfantins et dissidences, résistances et allégeances, appels et manifestes, hiérarchies profanes et symboles sacrés.
Ce film récapitule l'essentiel des thématiques de l'exposition et en réagence aussi les signaux, le parcours explore l'absence vers la présence, des mythes et légendes formateurs vers l'incarnation, des troubles de l'imagination vers des réalités singulières, de la distance vers le proche. ..."


/


oeuvre disponible, sur demande à la galerie /  available work, on request at the gallery:




"HOME-CLOM, a tribute to Joël Hubaut"
Photographie couleur, 42,5x35 cm

courtesy & © Lydie Jean-Dit-Pannel, 2010


/

June 09, 04:04 AM
Toni & Diego Garbini
nés en / b.:1967 & 1973, Sarzana, Italy
video:  "You’ve turned me into / armchair”, 2011, (excerpt: 04.51min.)

voix off / voice:  Philippa Peckham
screen grab courtesy the artists & domina video


texte de Toni Garbini. Luca Lazzoni écoute Caruso en fumant et en buvant de la bière.

screen grab courtesy the artists & domina video


text by Toni Garbini. Luca Lazzoni listens to Caruso while smoking and drinking beer.

screen grab courtesy the artists & domina video


/


texte pour "body no /  body", extrait






"... Diego & Toni Garbini, avec l'extrait d'installation vidéo "You've turned me into / armchair", nous présentent aussi un homme, que nous voyons dans son intimité et dont on nous décrit une étrange faculté, paranormale?, activation de fonctions refoulées du cerveau?. Où chimie et magie, récit et description, s'agrègent sans se dissoudre mutuellent, la voix off égrène une série de phrases dont les registres sont changeants, le seul repère est cet homme, assis, en prise avec lui-même pour qui nous demeurerons aussi des étranges étrangers. Lui s'en tient à son flux de conscience: "I'm content, necessarily, but not to the point of clapping my hands. While waiting I shall tell myself stories if I can". 
Malone Dies, S. Beckett ..."


/



"You’ve turned me into
the armchair

Intimacy is not visual, it is not a show
Luce Irigaray

The image of a man. He’s sitting on a armchair, drinking beer. He’s smoking. He looks calm, listening to classic music. A voice - off is talking with a journalistic style about an insurance consultant, and then after a while, starts talking in the same tone, about the investigation of a monster who killed two little girls and dismembered their bodies, and so on.
What kind of relationship is there, between images and words?
Which role does the information and entertainment system play in our perception of reality?
Sensations produced by images are affected by words.
Images and sounds change constantly and ask me to open up to a further interpretation.

This project looks into the relationship between image and word.
It deals with the relationship between the event and the interpretation of it, according to the projective logic of sense attribution. The endless building of the world, realized by the entertainment industry, it’s here related with the emptiness from which that same industry protects us. Like in a sort of cut up process, texts combine the language of cinema’s trailers, psychiatric textbooks and news. The resulting text becomes a voice - off sounding like facts descriptions in a documentary style. Ambiguity is therefore given by the relationship between words and images, between what is described as a fact, and what is presented through images.
Language, as instrument for denoting the world univocally, crashes into the ambiguous multiplicity of reality. This project points out the need for breaking the continuity of representation usually offered by mass media.
This video wants to give a plural vision, not based on  the prevailing of one fragment on another. The real meaning, the sense of the sequence, can be found only in the space between fragments, in the fracture within speech continuity.
In the fighting between the sense attribution and the rhythm of the image’s development, the project aims to focus on the image itself, beyond what we are used to perceive in it.
The wish is to question the symbolic and metaphoric attribution of sense assigned to images."

Toni Garbini

/


Teatro Ocra - dominavideo
Cultural Association 


Via Canalburo, 139
Sarzana (La Spezia)

Teatro Ocra\ dominavideo is a cultural association founded in 2001 by the Italian brothers Toni Garbini (Sarzana 10- 07- 1967) and Diego Garbini (Sarzana 19- 03- 1973). 
Both graduated at Parma University, they developed respectively an interest in contemporary dance and theatre, and the relationship between theatre and video in Italy. Toni and Diego Garbini gained their experience through workshops and professional theatrical performances, focusing their interest in direction, editing and technical scenic installation. Through years their work has focused on social reality, exploring issues connected with prison or psychiatric institutions, physical or mental inabilities and adolescence years, producing theatrical performances, video documentations and video installations. Today Teatro Ocra - Domina Video is pointing its research towards the relationship between video documentary, literature and experimental cinema. 

2011
Fragments from
A common place” 20''
Documentary
By Toni e Diego Garbini, produced by Regione Liguria, Comune di Sarzana 

2010
You turned me into” 22'
Never exhibited to the public, it is part of an international project curated by e.space generic gallery, Mitry-Claye, Paris

The moving day, 35'
Video Installation and Performance
By Toni e Diego Garbini, produced by Comune di Sarzana, Ass. Teatro Ocra
With Midori Watanabe and the collaboration of Alvin Curran
Music by Alvin Curran
Festival Sconfinando 2010 

2009
Un ricordo, 5'
Fiction
By Toni e Diego Garbini, produced by OGAP Association and in\ DIPENDENZA (Carrara) in collaboration with La Provincia di Massa Carrara
Finalist at the Festival Filmmakers al chiostro , Mediateca Pordenone 2010

Il Nodo Annodato, 40'
Documentary
Written and directed by Toni Garbini. Filmed and edited by Diego Garbini. Produced by Teatro Ocra and Domina video, Special Mention of the Jury within the section “Obiettivo Liguria” Genova Film Festival 09.

2008
Fantapresenza Chapter 0. 14'
Documentary
Written, directed and edited by Diego Garbini. Produced by Teatro Ocra and Domina video, Sarzana (SP).
Catalogue “Free Shout Festival” 2009 di Prato.

Il soccombente. 10 min.
Documentary
Written and directed by Toni Garbini. Edited by Diego Garbini

/

May 13, 09:28 PM
Anne-Sophie Emard
née en / b.: 1973, France
video: ‘Temps mort 2”, (02.15min.)
de la série “Temps morts” (a), 2010 - vidéos sur écran numérique 15’’

video courtesy the artist & galerie Odile Ouizeman

"Démarche

« Ce que me semble chercher, avec une obstination légère, une certitude douce, Anne-Sophie Emard, c’est à mettre à jour le fonctionnement de la pensée et, ce faisant, la compréhension du monde. Dans les propositions d’Anne-Sophie Emard, et elle le dit elle-même, « on regarde autre chose que ce que l’on voit », et si l’artiste met souvent en rapport deux images, ce n’est pas pour que l’on « voit » ces deux images, mais pour que l’on en voit une autre, pas une troisième, une autre, une image-construction, une image-pensée.

... Le voyage « en soi » est un voyage qui dure tout le temps que la vie dure. Ce voyage, bien sûr, se nourrit par tout ce que chacun de nous rencontre « hors de soi ». Il s’en nourrit et s’en trouve compliqué. Il nous faut faire la part de ce qui est signe et de ce qui est sens, de ce qui nous éloigne de « l’en soi » et de qui nous permet de nous en rapprocher. Ce sont ces signes, c’est cette recherche du sens que l’œuvre d’Anne-Sophie Emard me semble travailler, et c’est pourquoi ce travail nous est précieux. »"

Arnaud Laporte, producteur à France Culture, Une douce certitude Extrait du catalogue d’Anne-Sophie Emard, le sourire des glaciers (Un, Deux... Quatre, Editions, 2006)

screen grab courtesy the artist & galerie Odile Ouizeman

“Mon travail s’alimente des observations que j’effectue lors de mes investigations, qu’elles se réalisent dans le monde réel, celui de la littérature ou du cinéma. Je me positionne toujours en observatrice, dans mes environnements familiers ou dans les territoires qui me sont étrangers. Sur place je prends des notes et réalise méthodiquement des prises de vues photographiques et filmiques que je stocke sur un disque dur. Ce dernier devient une bibliothèque de matière première dans laquelle je puise régulièrement afin de restituer ces fragments de réalité dans des installations photographiques et/ou vidéographiques dont le vocabulaire cinéma- tographique ne relève pas du documentaire évènementiel mais de la fiction poétique. J’organise des pérégrinations dont la destination et la durée se définissent, en fonction des moyens qui me sont alloués bien-sûr, mais surtout en fonction du vecteur littéraire qui détermine ce choix de destination. En effet, à une invitation, un concours de circonstances ou une volonté précise de me rendre quelque part, je réponds toujours par le choix d’un livre qui va accompagner ma démarche. Les recherches, le travail d’observation et la récolte d’images que je vais mener sur ce site s’alimentent alors de la relecture de cet ouvrage qui a marqué mon parcours de lectrice. Je cherche ainsi à tisser des liens entre la forme littéraire et plasticienne mais également à mettre en place une cartographie du monde qui ne réponde pas à des critères géographiques.

Je suis en quête de lieux de mémoire dans lesquels je peux m’installer un moment pour enquêter sur son passé et m’en imprégner. Ma méthode repose sur la mise en place d’un périmètre d’investigation dans lequel je me documente et j’organise des rencontres avec les acteurs du passé afin de tisser une toile délicate d’une histoire avec l’Histoire. Il ne s’agit pas pour moi d’illustrer fidèlement des faits mais de recueillir des traces afin de proposer une œuvre polymorphe qui soit le reflet d’un fonctionnement de la mémoire à l’échelle de l’individu : incertaine, abstraite, restructurée, sous influence. Mes images sont le reflet et surtout la pro- jection de cette incertitude de par leur artifice, leur manque de repère d’échelle ou d’indication géographique. Changements d’échelle, de cadrage, de points de vue, défocalisation, mon vocabulaire formel de photographe, de réalisatrice et bien entendu d’artiste plasticienne qui combine ces pratiques de l‘image dans ses dispositifs, me semble adapté pour réajuster le regard intime que nous devrions porter sur les champs de notre mémoire collective et ainsi mettre en lumière des liens qui existent mais ne se voient pas.”

Anne-Sophie Emard




/


"... Anne-Sophie Emard, avec "Temps mort 2", évoque une scène scindée en deux partie d'écrans, vues hivernales troublées par un chant d'oiseau répétitif, indifférent à cette neige qui tombe, matifiant les reliefs et nimbant les scènes d'une teinte aux propriétés mémorielles, faisant émaner des sensations enfouies mais aussi des contes et légendes, des récits de retour au foyer, de fuites et d'exils. Une silhouette humaine traverse l'écran régulièrement, pressée par les éléments et c'est de la nôtre qu'il s'agit aussi, notre quête intranquille de sens dans les histoires et l'histoire. ..."

/




May 16, 04:28 AM
Jennifer Douzenel
née en / b.: 1984, France
video: ‘Vol”, 2010, (02.57min.)

screen grab courtesy the artist

screen grab courtesy the artist

screen grab courtesy the artist

screen grab courtesy the artist


/



visuel provisoire / provisional visual
courtesy the artist & galerie Bertrand Grimont

/


texte pour "body no /  body", extrait


"... avec "Vol", Jennifer Douzenel propose la seule pièce vidéo de l'exposition sans présence humaine visible, elle donne à voir un ballet ambigu pour deux oiseaux, au sol, interrogeant nos postures d'observateurs ou cherchant une rédemption dans la nature, toujours indifférente, souvent, "rouge dans le croc et la griffe" (a). Deux oiseaux dont un serait le héraut de l'urgente injonction de durer, et l'autre le miroir de l'impossibilité de la mort dans la vie: Via dolorosa, amour courtois, perte irréparable, dévoration, hymne, ballet… De ce sol / matière démiurgique, un jour Adam fut façonné... "


(a) "…Who trusted God was love indeed



And love Creation's final law
Tho' Nature, red in tooth and claw
With ravine, shriek'd against his creed…"
Alfred Lord Tennyson, In Memoriam A. H. H., 1850, Canto 56

/


May 13, 09:27 PM
Combes&Renaud
Marie Combes & Patrick Renaud, France
video: “Eric”, 2008, (90 photograms)(06.05min.)

photogram courtesy the artists
Si “le cinéma organise la succession des images selon un scénario accréditant la forme d’un récit” (1) la vidéo semble en être orpheline, du moins existe sans solliciter le récit (2) Son déroulement s’effectue autrement, sans références littéraires ou romanesques. L’intention se trouve ailleurs en deçà d’un scénario. Elle peut se contenter d’être un mode opératoire sans préméditation, une vidéo surveillance sans cadre, juste un champ optique développé en plan fixe ou surmenage visuel. Elle peut tourner indéfiniment, en boucle, existant plus dans son dénuement que par un travail de lumière, de montage et de qualités cinématographiques. Un film sur pellicule est physiquement toujours fini, il est dans un autre temps, au contraire du support numérique qui habite le présent, jamais achevé, toujours à refaire, à modifier, qui sollicite l’intervention et s’épuise en renaissant sans cesse. Ce commencement répété neutralise le mouvement, percute le temps, anéanti le début et la fin d’une narration possible. 

“Eric” est dans une représentation liquide, une voix noyée, en attente de (re)naissance. il semble éloigné de sa peau, sans adhésion à un quelconque écran et flotte dans une vague anatomie. En l’excluant la communauté se vide de l’image d’Eric, il reprend ce qu’il n’a plus mais ne laissera pas un simulacre sécurisé de nos choix politiques.

P.R.

1.“Du monde et du mouvement des images” Jean Louis Schefer.

2. Excepté bien sur les débuts du cinéma avec “Arrivée d’un train en gare le Ciotat” ou “la sortie des usines Lumières à Lyon”

“Eric” est à l’origine un reportage vidéo : 
“Le soleil se lève aussi” réalisé et diffusé 
par mynicetv dont nous avons utilisés des extraits audio, et que nous remercions.

"Eric" Vidéo couleur 6,05 mn ©combesrenaud2008”






/ “Eric” is a liquid representation, a drowning voice, waiting for its (re)birth He seems far from his skin, with no attachment to any screen, and floats in a vague anatomy. By excluding him, the community cleans itself of the image of Eric, he takes back what he no longer has, but will leave no reassuring ghost image of our political options. We wanted to show how any story of the homeless can never provide anything but what our prejudice expects, how the words and images of the media keep us safely away from reality.



photogram courtesy the artists

“Marie Combes & Patrick Renaud Photo and Video Creators Living and working in Paris, France We have been doing work together since 1997, and have developed joint experience and practice. Our work roves through the crossroads and over the borders of photography and video. We have been involved in joint research on diptychs, which each of us has developed in a series of photos, « Intérieurs » (Interiors) and « Sols » (Grounds). These were undertaken respectively in 1988 and 1990, working around the physical separation of the images on the negative film. Our diptychs introduce action and time, prefiguring our videos. The work on diptychs involves more than duality, a movement between dual images and a transient emptiness. Two images are the beginning of a sequence, a fraction of 24 images per second. Two photos also symbolise the leap from one work to the next. The sequence of photos is used as a substitute for a video recording, and brings another perception of time.”

source the artists

photogram courtesy the artists


website / blog / vimeo

co-curated with Chloé Dragna @ La Vidéothèque


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texte pour "body no /  body", extrait



"..."Eric" de Combes&Renaud articule une autre dimension et nous présente Eric dans le noir, homme social mais surnuméraire, puis 90 photogrammes se succèdent lui construisant une silhouette, un visage de plus en plus proche et déconstruit au fil des images teintées d'épiderme. Le sentiment d'humanisme, même si teinté de désenchantement, qui se dégage de cette figure fait écho aux questions d'empathie posées plus haut, cette pièce traite de la question du corps et de sa présence en réactivant le visage comme construit, donc conditionnel, par le regard d'autrui. ..."

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May 13, 09:27 PM
né en / b. 1973, Québec
dessins / drawings x 4: "Etudes pour Crysalides", 2009, 
mines de plomb sur papier, 25 x 20cm / graphite on paper


courtesy the artist & galerie Bertrand Grimont


courtesy the artist & galerie Bertrand Grimont


courtesy the artist & galerie Bertrand Grimont





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video: “Chrysalide”, 2008, (11.51min.)
Pellicule 35mm transférée sur support numérique
35 mm reel converted to digital media

courtesy the artist & galerie Bertrand Grimont

“Les œuvres de Patrick Bernatchez, par leur forme hybride, suscitent le trouble. Particulièrement attaché à la notion de cycle, l'artiste décline un concept – ici la métamorphose – en autant de séries que de médiums différents. 

La série de dessins « Les apparitions » donne à voir des scènes où les figures humaines se fondent dans le végétal, envahies par une nature qui n'a plus rien de bucolique. Au-delà de l'esprit fantasmagorique et des évocations monstrueuses, l'ensemble des pièces rend compte d'une tension entre les corps et les êtres, d'une violence dont on ne sait si elle est le présage d'un monde à venir ou la résurgence de cauchemars inavoués. 

Les trois vidéos de la trilogie « Chrysalides » sont à la fois indépendantes et faisant partie d'un tout. Chacune d'elles s'articule autour d'un mouvement de caméra : ascendant pour la première (« I feel cold today » 2007), circulaire pour la seconde (« Chrysalide » 2008) et enfin descendant pour la dernière (« 13 » 2009). Soutenus par une musique bien présente, ces scènes énigmatiques sont dans l'attente d'un évènement qui tarde à arriver. L'intrusion hostile d'éléments tels que l'eau ou la neige, associée à une lumière très travaillée et des couleurs blafardes, accentue le sentiment de malaise, voire d'oppression. Hors de toute narration, Patrick Bernatchez crée une atmosphère de fin du monde qu'il est difficile d'oublier. 

Les récents travaux de Patrick Bernatchez sont centrés autour de l'exploration temporelle. À ce titre, l'oeuvre BW (BlackWatch), bracelet montre d'une révolution de mille ans, est la pièce maitresse du projet « Lost in time » qui comportera plusieurs volets à terme.”


/ “Patrick Bernatchez’s works, by their hybrid form, cause confusion. Specially interested by the notion of cycle, the artist’s develops a concept - here the metamorphosis - through as different series as different mediums.
The series of drawing “Les apparitions” show scenes where human figures melt into the vegetal, invaded by a nature that is no more bucolic. Beyond the phantasmagoric aspect and the mousntruous evocations, those works render a tension between the bodies and the beings, a violence about which we are left pondering if it announce a world to come or the infiltration of unconfessed nightmares.
The “Chrysalides” trilogy series in three videos are simultnaneously independent and part of a whole. Each one is based around a camera movement: ascending for the first (‘I Feel Cold Today’, 2007), circular for the second one (‘Chrysalide’, 2008) and finally descending for the last (‘13’, 2009). Supported by a ever present music, these enigmatic scenes are waiting for an event that seems to be always defered. The hostile intrusion of the elements, such as water or snow linked with a highly worked light and pallid colours enhance the feeling of unsease, opression even. Avoidind any narrative, Patrick Bernatchez creates an end of the world atmosphere that is difficult to forget.

Patrick Bernatchez recent works are centred around the notion of temporal exploration. The ‘BW’ (BlackWatch) work, is a wrist watch that has a 1000 years cycle, this is the central piece of the ‘Lost in Time’ project that will include several chapters in its development.”

transl. Samy da Silva


courtesy the artist & galerie Bertrand Grimont

May 13, 09:30 PM
Benjamin Renoux
né en / b.: 1986, France
peinture / painting: "La vie à deux #1, #2", série, 2010
c-print et huile sur toile, 95 x 68cm / c-print and oil on canvas 

"La vie à deux #1 (femme)"
courtesy the artist

"La vie à deux #1 (homme)"
courtesy the artist

"La vie à deux #2 (femme)"
courtesy the artist

"La vie à deux #2 (homme)"
courtesy the artist


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"... Sur la paroi .../... quatre toiles aux dominantes sombres, nocturnes, un homme et une femme gisent sous un luminaire clinique, la série "La Vie à Deux" de Benjamin Renoux restitue deux points de vue à hauteur de regard. Evoquant formellement une figure ancrée dans l'histoire de l'art occidental, de la lamentation de Mantegna au gisant radical de Holbein le Jeune, c'est avec une grande délicatesse que l'artiste matérialise un halo qui semble émaner de ces corps, indice de signes vitaux, de recueillement aussi. En attente d'activation ou de soins, ici ils demeurent, intègres et dignes, irréductiblement humains ou dignes de l'être, encore et toujours. ..."

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May 09, 03:04 PM































"Chrysalide - Empereur", 2008, (09.51min.)
screen grab courtesy the artist & galerie Bertrand Grimont


artist @ galerie Bertrand Grimont / website / bio / @ vimeo

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"Dualism", 2010, (02.15)
video courtesy the artist

co-curated with Chloé Dragna @ La Vidéothèque

artist's website / bio / @ La Vidéothèque / @ generic

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"Eric", 2008, (06.09min.)
video courtesy the artists

artists' website / bio / @ vimeo / co-curated with Chloé Dragna @ La Vidéothèque

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"You've turned me into / armchair", 2011, (excerpt 04.51min.)
screen grab courtesy the artists & domina video

artists' website / @ youtube / @ generic

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"Absent II", 2011, (00.45)
video courtesy the artist

co-curated with Chloé Dragna @ La Vidéothèque

(voir ci-dessus / see above)

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"Temps mort 2", (02.15min.)
courtesy the artist & galerie Odile Ouizeman

artist @ galerie Odile Ouizeman / website / bio / @ vimeo 

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"L-INK", 2009, (16.00min.)
courtesy the artist


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les vidéos sont des extraits, des copies de travail &/ou compressées pour le web
/ all videos here are either excerpts, work copies &/or web compressed

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May 13, 09:31 PM
Julien Salaud
né en / b.: 1977, France 
sculpture, installation: "Constellation du cerf I (harpe)", 2011
tête de cerf, pointes, fil de coton blanc, lumière fluorescente, 
127 x 63 x 55cm / deer head, nails, white cotton thread, fluorescent light


courtesy the artist & galerie Bertrand Grimont / credit: Aurélien Mole



courtesy the artist & galerie Bertrand Grimont / credit: Aurélien Mole


courtesy the artist & galerie Bertrand Grimont


courtesy the artist & galerie Bertrand Grimont



courtesy the artist & galerie Bertrand Grimont






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"... En descendant dans la galerie nous sommes mis en présence du trophée de Julien Salaud, "Constellation du cerf, (harpe)", dans une pièce crypte plongée dans une lumière noire rehaussant un réseau de fils formant une géométrie complexe au plus près de la morphologie de ce qui fut un cerf souverain. Déjouant d'emblée toute tentative de domestication, toujours-déjà irréductiblement sauvage, son museau à hauteur de regard humain et ses bois aspirés vers la voute de cette crypte, ce cerf est majesté immobile, de la même manière que certains êtres nous mobilisent dans le désir ou la menace, ce trophée nous rappelle à notre espèce, de prédateurs fascinés par leur proie, lui rendant parfois l'hommage de la taxidermie, de la statue ou de la tombe, ici c'est de nuit et de rêves que sont tissés nos trophées, nos boucliers repoussant la forêt, fantômes et créatures tapies dans la conscience. ..."

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May 16, 06:39 AM






né en / b.: 1966, France
dessins / drawings x 3

"Death Wish", 2005
transfert sur papier ancien rehaussé de crayons et de fards, cadre 18,5 x 13,3 cm 30,9 x 25,7 cm
1/1 N° Archive JLV 0506
courtesy the artist & Galerie Air de Paris

"(We are a) Happy Family", 2003
transfert sur papier ancien rehaussé de crayons et de fards, cadre chêne et verre 33 x 31 cm 41 x 39 cm
1/1 N° Archive JLV 0302
courtesy the artist & Galerie Air de Paris

"Autoportrait à la grosse tête", 2006
transfert sur papier ancien rehaussé de crayons et de fards, cadre chêne et verre 24,2 X 16 cm 32,5 x 24 cm
1/1 N° Archive JLV 0608
courtesy the artist & Galerie Air de Paris


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"... Là où Jean-Luc Verna prolonge l'idée de présence sensible, exposée jusqu'à l'érosion dans le monde tel qu'il est, sculptant autant son propre corps qu'il en est son premier résistant, avec "Death Wish" c'est toute la fragilité d'un ex-voto aussi dérisoire que sacré, un oiseau mort repose sur une trace du monde symbolique, une série de signes typographiés avec une mention à "Die Blauen Bucher", qui résonne comme un "Livre des Morts". 

.../... Au coeur de cette constellation "(We are a) Happy Family" de J.-L. Verna agrège une part de cette hybridation en une déesse païenne, femme manifeste, agrippée par des petits qui semblent issus de sa propre chevelure, ici comme dans "Vol" de J. Douzenel, la dévoration et l'amour semblent inséparables dans ce conte cruel.

.../... Enfin "Autoportrait à la grosse tête" de J.-L. Verna, agit comme un rappel, une attribution, ces images proviennent d'êtres incarnés, vivants, en lutte contre l'entropie et cherchant "le soleil rare", un moment de grâce avant la dissolution dans la matière démiurgique, juste retour du phénomène vivant sur ses conditions, dans ce cas chaussé de ballerines et dansant sous le ciel indifférent, dans la constellation…

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May 26, 06:01 AM




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"…Non pas donner le corps à voir, prétexte à toutes les facilités académiques que l'on connaît. Mais donner au regard, par le truchement du corps, quelque chose de la densité, de la gravité de la matière corporelle, et poursuivre de la sorte une chimère ancienne et féconde, à laquelle on n’a cessé de chercher une forme acceptable : que le regard ne soit plus (seulement) le sens qui induit la distance, la coupure, et l'abstraction ; mais qu'il rejoigne les autres sens, bannis en général des arts dits justement visuels, et qui détiennent pourtant une part de vérité à laquelle nous ne sommes pas prêts à renoncer. …"

"… Le traitement contemporain du corps marque, de ce point de vue - et contrairement à ce que l'on répète souvent sans réfléchir -, l'affirmation d'une véritable spécificité photographique et le début d'une véritable histoire propre - par opposition à une histoire qui est restée longtemps dominée par celle de l'art en général, de la peinture en particulier. Le corps contemporain reflète les ruptures et les fractures, les fantasmes et les angoisses qui caractérisent notre rapport au réel aujourd'hui. Fragmentation, démembrement, monstruosité ordinaire ou extraordinaire, maladie et mort, culte de certains attributs, etc. : c'est d'un corps réel qu'il s'agit, et non d'un corps "artistique" un corps aux prises avec le réel, un corps de crise, au sens large du terme, c'est-à-dire qui désigne (parfois pour les nier) les différences, les points de rupture et de fuite. Sans doute angoisses et fantasmes, fétiches et faux-semblants ont-ils toujours été présents. Mais le rapport des époques antérieures au corps et à ses représentations était très différent du nôtre - une des raisons, parmi beaucoup d'autres, étant que tout semble devenu possible et montrable aujourd'hui, les éventuels effets de censure qui font périodiquement retour prenant eux-mêmes leur place dans le dispositif général, le "contexte" de l'art contemporain, comme on a pu le voir avec les "affaires" Serrano, Mapplethorpe ou Noir Limite, par exemple. …"
in "Voir nu" / Passages du corps dans la création photographique contemporaine, Régis Durandsource

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Jean-Luc Nancy 
Un entretien sur le corps -2 
Propos recueillis par Emanuel Alloa

"…« Hors au milieu de moi », oui : précisions que le seul « dehors » qui en soit vraiment un n’est jamais celui qu’on voit par sa fenêtre, qui n’est « dehors » que par différence avec le « dedans ». Le vrai dehors n’est pas un autre dedans que ce dedans-ci : il est au cœur (c’est le cas de le dire !) du dedans. Le modèle ici pour moi serait la phrase de Wittgenstein : « Le sens du monde est hors du monde. » Comme cette phrase n’est pas celle de quelqu’un qui croirait à un autre monde transcendant au nôtre, à un « arrière-monde » pour parler comme Nietzsche, elle ne peut pas signifier autre chose que ceci : le sens du monde est « dans » le monde un « hors ». C’est-à-dire une ouverture, une béance qu’on peut comprendre comme blessure ou comme voie d’accès – d’entrée et de sortie – ou encore comme bouche, oreille, narine, anus, sexe, œil. Vous pouvez imaginer sans peine comment chacune de ces ouvertures peut donner lieu à une ample variation sur la modalité propre de hors qu’elle évoque : le hors du souffle, celui du désir, celui de l’excrément, celui de la parole, celui des sensations de toutes sortes, et pour finir sous chacun de ces modes une modalisation du « sens », c’est-à-dire du renvoi de « moi » à de l’autre, à du « dehors ». Plus précisément, je dirais : à ce qui de l’autre est dehors ou fait dehors, c’est-à-dire non pas présence d’un autre devant moi (avec son propre « dedans ») mais non-fermeture, non-retour en soi, ni de l’autre, ni de moi.  …"

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dieter roelstraete: poiesis makes perfect, notes on gesture (reprise)

3a. In early use: The employment of bodily movements, attitudes, looks, etc., as a means of giving effect to oratory.
3b. Now only: Movement of the body or limbs as an expression of feeling.
4. A movement of the body or any part of it; now only as expressive of thought or feeling.
(From the Oxford English Dictionary)

Two fragments, cursory-sounding remarks culled from very different quarters of academia, have been especially inspiring in providing this entry. One is the opening sentence from a rather elliptical short essay, “Notes on Gesture”, by what is arguably Europe’s greatest living philosopher, Giorgio Agamben; it states, rather dramatically, that “by the end of the nineteenth century, the Western bourgeoisie had definitely lost its gestures.”
The second quote belongs to American sociologist Richard Sennett, whose seminal The Fall of Public Man, published in 1977, in essence expands on a remarkably similar observation; a handul of pages into the book’s opening chapter “The Public Domain”, Sennett asserts: “There was a quality about the bourgeois life of the last century all too easy to forget – its essential dignity. There was an effort – diseased and destined to collapse, to be sure – to make distinctions between realms of experience, and thus wrest some form out of a society of enormous disorder and harshness. .../...”


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"… Ainsi, l’image est d’essence monstrative ou « monstrante ». Chaque image est une monstrance, pour employer le mot qui dans plusieurs langues désigne ce que le français nomme ostensoir. L’image est de l’ordre du monstre : monstrum, c’est un signe prodigieux qui avertit (moneo, monestrum) d’une menace divine. En allemand, le mot pour l’image, Bild – qui désigne l’image dans sa forme, dans son façonnement – vient d’une racine (bil-) qui désigne une force ou un signe prodigieux. C’est ainsi qu’il y a une monstruosité de l’image : elle est hors du commun de la présence parce qu’elle en est l’ostension, la manifestation non pas comme apparence, mais comme exhibition, comme mise-au-jour et mise-en-avant.
Ce qui est monstré, ce n’est pas l’aspect de la chose : c’est à travers l’aspect ou sortant de lui (ou bien le tirant du fond et l’ouvrant, le jetant en avant) son unité et sa force. La force n’est elle-même pas autre chose que l’unité nouée d’une diversité sensible. L’aspect est dans la diversité, le rapport étendu des parties d’une figure. Mais la force est dans l’unité qui les conjoint pour les projeter au jour. Toute la peinture est là pour nous montrer, sans relâche et sur des modes toujours renouvelés, le travail ou la recherche de cette force. Un peintre ne peint pas des formes s’il ne peint d’abord une force qui s’empare des formes et qui les emporte en une prés-ence.
Dans cette force, les formes aussi bien se déforment ou se transforment. L’image est toujours une métamorphose dynamique ou énergétique. Elle part d’en deçà des formes et va au-delà : toute peinture, même la plus naturaliste, est une telle force métamorphique. La force (donc la passion, on le comprend) déforme : elle emporte les formes dans un élan, dans un jet qui tendanciellement les dissout ou les excède. La monstration jaillit en monstruation. …"
Jean-Luc Nancy in Image & violence @ Le Portique

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"In recent decades, the body has moved from being the subject of traditional portraiture to become an active presence in live and participatory events. Art historical, socio-political and cultural developments, from radical feminism in the 1970s to contemporary scientific breakthroughs, have all had a profound influence on artists’ attitudes to, and representations of, the human form.
The Body in Contemporary Art presents an international survey of art made since the early 1990s that has the body as its focus. It examines such areas as nature and technology, the grotesque, identity politics and the place of the individual in society.

From painting and sculpture to installation, video art and performance, The Body in Contemporary Art reveals the myriad ways in which the body has inspired a generation of artists. Featuring the work of both renowned and up-and-coming figures, including Francis Alÿs, Marlene Dumas, Matthew Barney, Oleg Kulik, Rineke Dijkstra and Ernesto Neto, this book shows how the body continues to be pivotal to our understanding and expression of our place in the universe.

Sally O’Reilly is a writer and art critic who contributes regularly to Art Monthly, Art Review, Frieze and Time Out. She has written numerous essays for international galleries and institutions, and was co-editor, from 2004 to 2008, of the interdisciplinary broadsheet Implicasphere. She is also a dean of Brown Mountain College of the Performing Arts, an itinerant platform for the production of performative events."

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"Pouvoirs de l'horreur - essais sur l'abjectionJulia Kristeva @ Exigence: Littérature


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"... Les techniques contemporaines de l’imagerie du corps interne ont transformé d’une manière radicale l’image du corps. À première vue, elles l’ont élargie en y insérant l’étrangeté du corps interne. Mais on a vu que, même si l’invisible du corps profond est rendu visible, cela ne veut pas dire que ces images du corps, difficilement reconnaissables, constituent une image spéculaire ou une image du corps idéal. Elles ouvrent plutôt à la dimension de l’affection, elles remontent aux « fantasmes » sensibles. Disons que ces images, d’une manière paradoxale, représentent le corps morcelé qui, en tant que tel, n’est pas représentable, qu’elles donnent un sens visuel au fantasme senti. Le regard scientifique semble contourner ce paradoxe en ignorant complètement la dimension sensible qui sous-tend toute image du corps. Corps étranger, par contre, montre que l’idée du corps « transparent » reste toujours un mythe. Il n’est pas possible de neutraliser complètement l’étrangeté du corps : le corps étranger subsiste. Loin de l’annuler, cette œuvre d’art invite à sentir l’étrangeté qui est propre à nos corps propres. En effet, ce que les technologies contemporaines révèlent, et ce qui peut être souligné par une œuvre d’art, est que le propre – ou, peut-être, la propriété - du corps, de l’existence est conditionné par une étrangeté ou une altérité radicale qui échappe à toute réflexion et à toute représentation. En réfléchissant le corps interne, on rencontre les limites mêmes de la réflexion et de la représentation. ..."

"L'imagerie du corps interne" (conclusion) Jenny Slatman @ Methodos

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"... L’hybridité et la métamorphose sont au cœur de nombreux mythes grecs  : les viriles Amazones, Danaé fécondée par une pluie d’or, l’accouplement de Léda et d’un cygne, Daphné prenant racine, Arachné devenue animal… Nous assistons à un travail du mythe dans l’art contemporain, entre reconduction et opérations de déplacement. ..."

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"… Il ne s’agit pas d’ouvrir et d’exhiber le corps, mais de connecter un corps avec lui-même pour le rendre sentant, pour le faire advenir à lui-même et peut-être pour le faire advenir tout court. Ce n’est pas une apothéose, une spiritualisation du corps, mais la révélation de l’intériorité qui le creuse et l’anime. Les pédants parleront d’une genèse transcendantale du corps, ou de corps involutifs. On aimerait voir là comme un nouveau Golem, tête baissée, regard tourné au-dedans, absorbé dans la venue de ce qui a aussi pour nom : corps propre. …"
in "Bernard Lallemand : corps appareillés" (expo @ galerie Anton Weller), Elie During @ Organdisource

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auteurs / authors:

"Le corps figuré" entretien avec Paul Ardenne @ Mag Arts

biblio.:


the/ème:

"Le corps dans l'oeuvre" @ Centre Pompidou

"Le corps dans l'art contemporain" @ arcotheme

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.../...

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Posts

March 16, 11:08 AM
lancement / launch



16.03.11 / March 16, 2011


un présent / a present:



courtesy the artist
,
&

en ce moment / current show:


Guillaume Constantin “Un nuage d’incertitudes” 12 03 11 - 29 04 11

/

valéry poulet & samy da silva

March 16, 07:42 AM




Le « 3 de mayo » de Goya, comme courte introduction, aux travaux d’Alix Delmas, un tableau clé pour l’artiste mais pas le seul. Choix insolite, étrange, décalé a priori, mais emblématique du travail d’Alix Delmas.

Le sujet de ce tableau est connu : un groupe d’hommes insurgés fusillés par les troupes de Napoléon lors de l’occupation espagnole.

Un premier terme déjà : résistance. Un deuxième aussi : territoire

Les deux groupes se font face , comme dans un dialogue impossible, deux lignes de forces, l’une organisée, rigide, celle des soldats, l’autre disloquée, celle des fusillés. Ces deux lignes occupent l’espace comme une frise, s’étendant de gauche à droite du tableau, horizontalité.

Horizontalité qui se retrouve souvent dans les travaux d’Alix Delmas, qui renvoient aussi aux frises antiques, aux bas-reliefs, la vidéo « Dialogues » ….

Deux éléments marquants.

Le premier, cet homme, à genoux, chemise blanche, en opposition à la ligne sombre des soldats, vus de dos. Opposition entre obscurité et clarté, ombre et lumière. La lumière crée ici un parcours qui nous mène de l’arrière-plan, ce ciel obscur et cette ville dominée par ce clocher, seule verticalité, avec les bras levés au ciel du personnage principal de ce tableau : l’homme immaculé, point focal, que l’on devinera bientôt, affaissé, souillé par son sang, comme ce cadavre allongé sur le sol, à ses côtés…

Deuxième élément, cette lanterne, objet géométrisé,  disproportionné, planté là, incongru presque, qui distribue la lumière à toute la scène. Elément disruptif, pourtant nécessaire à la vision, qui crée une ligne, une frontière entre les protagonistes.

Frontières, limites, franchissements, transgressions, dépassements,… Résistance(s) là encore… Territoires aussi à conquérir, à abolir…

La série des « Sisters », anodine ? : gémellité marquée sous le signe de l’ombre provoquée par une lumière zénithale qui traverse des gélatines de couleurs. « Sisters », ennemies, comme ces hommes liés par un destin tragique, parallèles comme ces lignes sous tension crées par le conflit… « Sisters » comme tentative d’élévation, de gagner en hauteur, de défier la pesanteur… Mais la part d’ombre qui nous rattache à notre condition rôde et ne nous lâche pas dans le trouble flou et aquatique…. Ne pas se fier aux apparences…

Comme ces jambes dans « Bacchanales », qui arpentent comme des géants, un sol aux montagnes minuscules, tentative d’élévation, de perturber l’échelle du monde, verticalité… Rappel aux temps immémoriaux des titans ?

Comme le rouge qui envahit les lèvres des filles de « Girlfish » : bientôt carnassières, piranhas ou requins, qu’importe, dans leurs rapports démiurgiques avec un paysage de plâtre qu’elles ne cessent de réagencer… La rougeur des lèvres… Ce sang qui s’écoule du cadavre dans « 3 de mayo » et s’épand sur le sol…  Perte de l’innocence…

Le disruptif, sans cesse présent, chez Alix Delmas, vient rompre, 
perturber le bel ordonnancement dans un jeu de déséquilibre subtil.



Introduction d’une menace, comme ces requins dont on ne voit que les ailerons et souvent récurrents chez Alix Delmas… Part cachée, part maudite…

Ce comédien, dans « Le réalisateur et l’acteur », d’abord sous les feux de la rampe, perturbé, malmené par les projecteurs, plongé dans l’obscurité… « D106 », où des phares colorés viennent explorer la nuit d’une route ne menant, on ne sait où… Eclairer quoi, explorer quoi… Nos propres angoisses, nos peurs ataviques ?

« Sauces » making off d’une photo, tourné du matin jusqu’à la nuit…. Les lettres de « Sauces », dressées, qui opposent leurs régularités,  leurs rectitudes, au désordre de la nature… Lettres qui se jouent de sa quiétude désertique et transforme cette nature en paysage…. Deux territoires se confrontent…

Il ne serait juste être qu’une question de lumière dans le travail d’Alix Delmas… Seulement le début d’une piste…

V. P., mars 2011
/


écho insistant / insisting echo:


"ceux qui se sont rapproché le plus de la Vérité ontologique, sont condamnés à errer sur le plan ontique" (a)
bonne errance avec les travaux de Alix Delmas:


/ "those who came closes to the ontological Truth, are condemned to err on the ontic level" (a)
enjoy the ride with Alix's Delmas works:


/


(quelques) mots-clés de la visite / (some) keywords:


"echelle", "trouble", "tremblement", "déplacement", "renversement", "rituel", point de vue", "relation", "corps", "voix", "absorbtion", "rivalité", "manoeuvre", "axialité", "anxiété", "puissance-impuissance", "face à face", "demiurgie", "forme", "disparition", "encore", 
"the gaze"...

archive, ce que l'on a vu &+ / archive, what we saw &+:


"Bacchanales", 2008, 77x130cm, série / series
image sourcecourtesy the artist


/+


sculptures, installation, drawings / dessins


mots-clés / keywords:


"trous", "respiration", baisers", bouches", "requins", "submergés", sculpture portable", "ce qui est en haut, ce qui est en bas"
/ 'holes', 'breath', 'kisses', 'mouths', 'sharks', submerged', 'wearable sculpture', 'what's above, what's below'


indice / index:


courtesy the artist, source artist's website



/+


"Sisters", 2009, série / series, courtesy the artist, image source

"Sisters", 2009, série / series, courtesy the artist, image source

"Sisters",2009, installation, série / series, courtesy the artist, image source

/+


"Le réalisateur et l'acteur" / 'The director and the actor'
courtesy the artist, source artist's website



/+

"Dialogues", courtesy the artist, source artist's website


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"D 106", courtesy the artist, watch on youtube


/+

group show "AILLEURS" / 'SOMEWHERE ELSE'
du 11 Février au 8 Mai 2011 / Feb. 11 to May 8, 2011
@ Espace Culturel Louis Vuitton, Paris


Alix Delmas présente l'installation "SAUCES", inc. projection
the artist show the "SAUCES" installation, inc. screening:
"SALSAS EN LAS BARDENAS REALES", 2007



"Petite explication sur la lumière de l’installation. 
Merci à Bruno D.

Au dessus des blocs en polystyrène (accessoire du film), un projecteur zénithal est programmé suivant les couleurs du film (dans le cut, l'image est orange, l'éclairage deviendrait orange...).

Devant la projection du making off, il est proposé de revire un « ici et ailleurs ». Le simulacre passe alors par une tentative de reproduction de ce qui a eu lieu in situ, ce qui est après tout "une" définition du cinéma: tenter de reproduire la réalité en studio. 
Une chose au sujet du simulacre, ce paradoxe qui peut faire défaut : la lumière est invisible si elle est bien faite."

"Sauces", projection, blocs de polystyrène, lumière synchronisée.
source artist's facebook profile


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"Girlfish", 2010, courtesy the artist, pic ndrtnmnt

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"Commencement", courtesy the artist / watch on art-action

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"Come back Tomorrow", 40m2x1,70m, 2009-10
installation following a residence, Austria


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from "Murmurs", 2010, 16'
residence @ Lycée Agricole Bonnefont
3 parties: "La cloison", "La cloture, "La rive"
courtesy the artist, source artist's facebook profile

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expo collective en cours / current (group) show

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"AILLEURS" / 'SOMEWHERE ELSE'
du 11 Février au 8 Mai 2011 / Feb. 11 to May 8, 2011
60 rue de Bassano - 75008 Paris

Artistes / Artists
Paul Gauguin, Bas Jan Ader, Giovanni Anselmo
Andreas Angelidakis, Tïa-Calli Borlase, Alix Delmas, Yann Dumoget, 
Marc Horowitz, Fabrice Langlade, Olivier Leroi, Joanna Malinowska, 
Luc Mattenberger, Laurent Mulot, Lucy + Jorge Orta, Fernando Prats, 
Laurent Tixador et Abraham Poincheval

Commissaire de l’exposition / Curator: Paul Ardenne


(*) "L'heure bleue" from "SALSAS EN LAS BARDENAS REALES"


(*) visuels / visuals courtesy the artist @ Espace Culturel Louis Vuitton


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remerciements / aknowledgements:

L'artiste nous a reçus avec générosité, toute tissée de d'exigence, d'humour, de puissance de propos et d'"ouvertures de mondes", reflet de sa démarche.

Cette visite à été facilitée par la participation bienveillante & éclairante de Pascal Cardeilhac, artiste lui-même et complice d'Alix Delmas.

Nos meilleures pensées vers eux.

/ The artist welcomed us with generosity, a dense & demanding fabric, with humour & strong discourse: 'worlds opening', in this, mirroring her art practice.

This visit was facilitated by Pascal Cardeilhac's kind & enlightening involvement, an artist himself and Alix Delmas' accomplice.

Our kindest thoughts to them.

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(a) Slavoj Zizek, quoting M. Heidegger in "The ticklish subject: the absent centre of political ontology", p. 13, Verso, 2000





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March 11, 10:06 AM
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Posts

September 08, 11:18 AM
"Sans titre", extrait de vidéo numérique, 2010 / "Untitled", digital video fragment, 2010



Vernissage: Samedi 10 septembre, 16 - 21h / Opening: Sept. 10, from 4 to 9 pm
March 13, 10:06 AM




show views by Aurélien Mole:




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"Everyday Ghosts", 2008-2011
veille d'écran / diaporama, 74 photos numériques
5 exemplaires sur clé USB

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Guillaume Constantin “Un nuage d’incertitudes” 12 03 11 - 29 04 11                                                                                           

September 08, 11:01 AM








«Solutions techniques à des problèmes théoriques» 10 09 11_31 10 11

"Sans titre", extrait de vidéo numérique, 2010 / "Untitled", digital video fragment, 2010

Vernissage: Samedi 10 septembre, 16 - 21h / Opening: Sept. 10, from 4 to 9 pm


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"Sans titre", casiers à bouteille en polystyrène, 2010, 6 x 4,50 x 6 cm. pièce présentée et produite dans le cadre de l’exposition “dynasty” au musée d’art moderne de Paris 
Photo: Pierre Antoine.
courtesy the artist & Galerie Bertrand Grimont






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NEWS 2011



NEWS 2010







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Galerie Bertrand Grimont @ FIAC 2010

“sans titre”, 2010, sculpture, bois peint
image courtesy Galerie Bertrand Grimont

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previous show @ the gallery



“sans titre” , éléments en polystyrène, 95 x 71 x 20 cm, 2008
photo: Aurélien Mole


more on the show...









Aurélien Mole, "up by hole", tirage baryté encadré, 38x45,3 cm, édition de 3 - 
image: Aurélien Mole










diaporama / slideshow:




March 13, 10:07 AM



 “Un nuage d’incertitudes” 12 03 11 - 29 04 11

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artist @ galerie Bertrand Grimont


show views by Aurélien Mole:






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"Everyday Ghosts", 2008-2011
veille d'écran / diaporama, 74 photos numériques
5 exemplaires sur clé USB

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Guillaume Constantin “Un nuage d’incertitudes” 12 03 11 - 29 04 11                                                                                           


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March 22, 11:15 AM


courtesy Julien Salaud & the gallery

Stand M4 - Mutations

"Mutations 

Le processus d'hybridation permet la création d'êtres improbables et donne forme aux visions et fantasmes enfouis. Patrick Bernatchez et Julien Salaud composent des chimères, femme-arbre ou oiseaux-papillons où les transformations opérées exacerbent les formes. Les bribes de réel se fondent dans la démultiplication des corps et créent l'illusion d'un monde rêvé. En composant avec le réel social, Océane Moussé propose une vision cinglante des déplacements humains, où l'humour noir n'est pas en reste. Guillaume Constantin dessine la transformation du langage des humains vers les spams, construction numériques aléatoires qui reprennent un sens ironique. Jean-François Leroy et Vincent Mauger pratiquent pour leur part le dessin parallèlement à la mise en volume, tout en accordant au travail en deux dimensions la place de choix qui lui revient. "


/ 'Mutations

The hybridisation process allows the creation of unlikely beings as it gives shape to deeply buried visions and fantasies. Patrick Bernatchez and Julien Salaud assemble chimeras, a woman-tree or birds-butterflies which transformations exacerbate shapes. The fragments of reality melt in the bodies multiplications and create a dream world illusion. While composing with social reality, Océane Moussé offers a scathing, albeit darkly humorous, vision of human movement. Guillaume Constantin draws the human language transformation into spam, random digital constructions turned into ironic meaning. Jean-François Leroy and Vincent Mauger practice drawing along with volume setting, while providing their two-dimensional work, the prominence it deserves.'



OCÉANE MOUSSÉ
JULIEN SALAUD

Preview - jeudi 24 mars à partir de 14h00
Vernissage- jeudi 24 mars de 18h30 à 22h00
Ouverture - vendredi 25 au lundi 28 de 11h00 à 20h00






March 01, 08:56 AM
being built / en construction







September 08, 11:20 AM

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par / by Claire Taillandier

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February 28, 07:45 AM

Bertrand Planes, "Two artists", one galerist, 2008



"L'univers est rempli d'objets de convoitise qui disparaissent rapidement à nos yeux. Phagocytés par la banalité de l'usage, ils en deviennent transparents. Produits de consommation intégrés au quotidien, ils transitent d'un état à un autre avant de finir au rebut. Leur présence criarde s'amenuise en un bruit blanc.

En scrutateurs du monde, Cyril Hatt et Bertrand Planes choisissent avec soin quelques uns de ces objets avant de leur faire subir un double processus. Par le truchement de l'image, chacun des volumes est dans un premier temps déconstruit. Cyril Hatt saisit toutes les facettes de l'objet choisi, chacune étant contenue dans une photographie de format standard. Fragmenté, l'objet explose et disparait. Bertrand Planes capte la surface du volume et met en mémoire les couleurs, les textures, les aspérités données par le temps. Une fois saisie dans son intégralité, la surface est recouverte de blanc, donnant à la matière une neutralité qu'elle ne possédait pas.

Second mouvement et retour à l'unité : les photographies parcellaires sont réagencées de façon à former le volume initial, couturé aux jointures par des agrafes. Les sculptures de Cyril Hatt sont suffisamment accidentées et déformées pour que l'idée du trompe-l'œil n'effleure personne, reste l'évocation en creux d'un objet devenu sujet. Bertrand Planes donne à ses volumes la possibilité de se réapproprier leur surface d'origine. Recouverts d'une peinture photosensible sur laquelle est projetée leur propre image précédemment captée, ils en deviennent ainsi le réceptacle.

Ni tout à fait les mêmes, ni tout à fait autres, les objets perdent en matérialité ce qu'ils gagnent en évocation. Les images latentes peuvent apparaitre, le réel tangible peut disparaitre, les œuvres de Cyril Hatt et de Bertrand Planes se construisent de ces transmutations."





'The world is filled with objects of desire that quickly vanish before our eyes. Eaten away by the banality of use, they become transparent. Consumer goods embeded in the everyday life, they pass from one state to the other before being discarded. Their loud presence dwindles into a white noise.

Examining the world, Cyril Hatt and Bertrand Planes select a few these objects with great care and submit them to a double process. Through the image, each of these volumes is initially deconstructed. Cyrill Hatt captures all the facets of the chosen object, each of those is contained within a standard format photograph. Fragmented, the object explodes and disappears. Bertrand Planes captures the volume surface and stores the colours, textures and the ruggedness brought by time. Once captured in its entirety, the surface is then covered with white, bringing to the material a neutrality that it did note have.

Second movement and return to unity: the fragmented photographs are rearranged to reconstruct the initial volume, seamed a the edges by staples. Cyrill Hatt's sculptures are rugged and distorted enough to put aside any idea of 'trompe l'oeil', of illusionism, what remains here is an evocation of the object raised to subjecthood. Bertrand Planes gives to its volumes the opportunity to reclaim their original surface. Covered with a photosensitive coating on which is projected their own image previously captured, they thus become their own recipient.

Nor quite the same, or quite other, the objects lose in materiality what they earn in evocation. The latent images can appear and the tangible reality can withdraw, the works of Cyril Hatt and Bertrand Planes are built from these transmutations.'

September 08, 10:45 AM





L'exposition collective "body no / body" est une proposition de Bertrand Grimont et Samy da Silva qui explore une part de territoire et de mythe liés à certaines représentations du corps humain dans les pratiques contemporaines, avec un cycle de vidéos et des pièces visuelles qui rendent compte du corps comme assemblage, comme dispositif où l'imaginaire construit des signaux et où l'expérience et le mythe sont producteurs de formes. 
Trois thèmes principaux sont approchés: l'intériorité, l'imagination et le corps lui-même comme récepteur et émetteur de signes.

Ne cherchant à "épuiser" ni l'espace de ces thèmes, ni celui de la galerie, le projet tend à favoriser la vibration spécifique des oeuvres plastiques en relation avec celles des oeuvres vidéos, quelque chose dans ce tremblement subtil de l'air devient favorable à un réseau. Là où l'immobilité des oeuvres accrochées ou posées induirait une mobilité intérieure, et où les images animées susciteraient une pause, un quant-à-soi. Un territoire ouvrant sur l'imaginaire où la matière des oeuvres s'active dans l'intériorité du visiteur, chaque fois remise en jeu, particules élémentaires et complexes, présentes et absentes, simultanément.

La galerie, ici, devient un corps qui répond à la présence des oeuvres comme un environnement favorable qui suscite des formes de vie, dans ses cycles, ses émergences, luxuriance et rareté, souterrains et canopées, vers une constellation: le corps humain.

artistes / artists:

commissariat / curators:
avec la complicité de Chloé Dragna @ La Vidéothèque

Anne-Sophie Emard, courtesy Galerie Odile Ouizeman
Jean-Luc Verna, courtesy Galerie Air de Paris



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exposition collective / group show
14_05 - 30_07_11 - may 14 to july 30, 2011

vernissage / opening: samedi 14, 18-21h / sat. 14th, 6-9pm


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/ The group show "body no / body" is a proposal by Bertrand Grimont and Samy da Silva, which explores parts of a territory and myth associated with certain representations of the human body in contemporary practices. With a cycle of videos and visual pieces that reflect the body as assemblage, as a device where the imagination constructs signals and where the experience and the myth produce forms. Three main themes are approached: interiority, imagination and the body itself as a receiver and transmitter signs. 

Not seeking to "exhaust" neither the space of these themes, nor the gallery's, the project aims to promote the specific vibration of the visual pieces in conjunction with those of video works, something in this subtle vibration of the air becomes conducive to a network. Where the stillness of the pieces hung or set on the floor induce an internal mobility, and where the moving images would generate a break, an inner quieteness. A territory opening on the imaginary where the very matter of the works gets activated in the visitor's interiority, each time recombined, elementary and complex particles, both present and absent. 

The gallery here becomes a body that responds to the presence of the works as a supportive environment that gives rise to forms of life, its cycles, its becomings, opulence and rarity, roots and canopies, to a constellation: the human body.





Julien Salaud, "Constellation du cerf (harpe)", 2011
tête de cerf, pointes, fil de coton blanc, lumière fluorescente, 
127 x 63 x 55cm 
/ deer head, nails, white cotton thread, fluorescent light
courtesy the artist & galerie Bertrand Grimont / above photo credit: Aurélien Mole

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March 30, 09:37 AM
"Foyer 2", détail, bois et peinture glycérophtalique


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NEWS 2011
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latest show @ the gallery:


artist @ galerie Bertrand Grimont


a view from the show
image credit: Aurélien Mole


“Toute pièce exposée ici est inédite – comme on dit, œuvre récente -, mais pour autant pas nouvelle. L’avertissement frise l’absurde, mais c’est bien autour de cet inéluctable attendu de nouveauté, et du paradoxe qu’il peut y avoir à croire que ce qui est neuf est aussi nécessairement original, que Jean-François Leroy a travaillé cet accrochage. Reprenons. L’installation Module/étagère est devenue Etagère modulée. Retravaillée, la pièce n’évoque plus en rien la référence initiale à une table, mais moque toujours cette méprise quant à sa valeur d’usage : entièrement démantelée et réorganisée maintenant sous forme d’étagère d’exposition, sur laquelle s’empilent en bon ordre le reste des composants de la version précédente, à disposition, l’utilisation de matériaux bruts comme une invite à reprendre le jeu de construction.
Jean-François Leroy considère ses réalisations comme autant de matières premières, en tout cas encore utilisables, convertibles, commuables. Des états, dans ce sens qu’on donne aux épreuves qui précèdent la forme que la reproduction va figer, ou plus justement ce moment in progress où l’œuvre n’est qu’un exemple donné d’un vaste éventail de possibles. Car il n’est pas, ici, question de corriger ni d’améliorer ; au contraire, ces transformations successives sonnent comme autant de coup bas à la prétention d’un état définitif. Chaque fois, Jean-François Leroy insiste délibérément sur la dénaturation de la pièce antérieure, juste ce qu’il faut pour que la modification déconstruise la lignée. Cela peut se traduire par des variations de médium – Fond, une photographie couleur à l’échelle 1, recouvrant tout un pan de mur, remplace in situ le store vrillé. C’est aussi ces jeux de combinatoire, ou de fragmentation - une ancienne installation est redistribuée en trois pièces séparées, D’une chose l’autre, Pied, Fenêtre désormais autonomes, chacune réagencée. D’une chose, l’autre, c’est exactement cela : un potentiel infini de correspondances et de déviations, pour mieux perdre de vue ces points limites que sont le modèle et l’idéal.
Remanier, en continu. Jean-François Leroy souligne le caractère évolutif de ses productions. Et cela renforce d’autant cette impression très organique que procure cette façon si particulière de systématiquement ménager des articulations improbables aux objets. Pour gagner en mouvement, pour rompre toute unité, toute continuité : déconstruire, pour contrarier toute stabilité. Somme toute, cette façon de l’œuvre en cours est très proche de l’idée biologique d’un engendrement, comme puissance de génération de signe et de sens. A chaque reprise, une nouvelle donne, bouleversant la précédente. D’une chose, l’autre : Un rectangle de moquette, auparavant utilisé comme tapis de sol, s’érige maintenant en totem - et entre-deux, le basculement vient chambarder l’extraordinaire entêtement que montrent les choses à demeurer en leur état.
Le travail de Jean-François Leroy a cette grande qualité de déjouer la mauvaise habitude qui, en art, consiste à toujours traquer la polarité, c’est-à-dire à vouloir désigner un Plus et un Moins, à réduire toutes relations à des oppositions binaires, et par là obliger à la hiérarchisation. Ici, ni « haut » ni « bas », mais au contraire, dans la transformation, un continuel déclassement des matériaux, des usages, et conséquemment des systèmes de représentation. Et bien sûr, puisqu’on ne peut dire d’aucune des œuvres montrées ici qu’elle est achevée, cet ultime jeu d’avec la valeur marchande : car seule l’acquisition d’une pièce pourrait garantir que sa forme, encore temporaire, devienne fixe.”



Marion Delage de Luget

/ 'Of one thing, the other
Any piece shown here is novel, a recent work as they say, but at the same time it's not new. This warning borders on the absurd, but it's truly around the overpowering expectation of novelty and the paradoxical belief that what is new is necessarily original, that Jean-François Leroy has worked towards this exhibition. Resuming, the 'Module / Shelf' has become 'Modularised Shelf', reworked as it is now, the piece does not evoke anything from the initial reference to a table, but still mocks the mistake about it's use value: it is now entirely dismantled and reorganized as an exhibition shelf on which are orderly stacked the available remaining components of the previous version. The use of raw materials extracted from yards sounds now as an invitation to resume the construction game.
Jean-François Leroy considers its pieces as much raw materials, in any case still usable, convertible, commutable. They are states, in the sense that we give to the trials that precede the form that the reproduction will freeze, or, more precisely, this moment in progress when the artwork is a given sample of a wide range of possibilities. Since there is no question here of amendment or improvement, on the contrary, these successive transformations sound as low blows to the claim of a final state. Each time, Jean-François Leroy deliberately insists on the denaturation of the earlier piece, just enough so that the modification deconstructs the lineage. This may result in medium variations - 'Background', a scale 1 color photograph covering an entire wall section, replaces the warped venetian blind 'in situ'. It is also these combinatory or fragmenting games - an older installation is redistributed into three separated pieces, 'Of one thing, the other', 'Base' and 'Window', now autonomous, each rearranged. On one thing, the other, it's precisely that: an infinite potential of connections and deviations, to better lose sight of these endpoints that are the model and the ideal.
To overhaul, continuously. Jean-François Leroy emphasizes the evolutive trend of its productions and this reinforces the very organic feel that this specific method of systematically arrange unlikely articulations for objects brings. In order to gain in motion, in order to break any unity, any continuity: deconstructing to undermine any stability. Overall, this work in progress approach is very close to the biological notion of the generative, here it is a power generation of sign and meaning. To each new retake, a new deal upsetting the previous one. Of one thing, the other: a carpet rectangle, formerly used as a floor mat, stands as a totem now - and in between, the tilting brings trouble to the extraordinary stubbornness of things to remain in their state.
Jean-François Leroy's work has this great quality to thwart the bad habit that, in art, is to always track polarity, that is to say, to nominate a Plus and Minus, in order to reduce all relations to binary oppositions, and thus compel towards hierarchy. Here, neither 'high' or 'low', but rather, in the processing, a continual downgrading of materials, of uses, and therefore, of the systems of representation. And of course, since we cannot say that any of the works shown here has been completed, a final gameplay with the market value: for only the acquisition of a piece could guarantee that its form, from ephemeral, becomes fixed.'

Marion Delage de Luget
(translation Samy da Silva)

about the show:







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Galerie Bertrand Grimont @ FIAC 2010 / Tuileries


Oeuvres présentées / shown works





“Jean-François Leroy Modules activés 1 et 2 par Claire Taillandier
article & image @ la critique.org


"Jean François Leroy, Module Activé 1, bois, aluminium, affiche, 250 x 120 x 120 cm. Intervention de Benoît Géhanne (affiche). En place jusqu'à mardi matin."

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Galerie Bertrand Grimont @ FIAC 2010 / stand F16, excerpt:


works by Jean-François Leroy

Guillaume Constantin,
John Cornu,
Vincent Dulom,
Vincent Mauger,
Aurélien Mole,
Jean-François Leroy,
Paul Raguenes



Jean-François Leroy, "sans titre", bois, placoplâtre et peinture, dimensions variables, 2010

Jean-Francois Leroy, vue d’atelier, bois, placoplâtre et peinture, dimensions variables, 2010 (détail)

November 16, 04:14 PM

Aurélien Mole, "up by hole", tirage baryté encadré, 38x45,3 cm, édition de 3 - 
image: Aurélien Mole







Guillaume Constantin,
John Cornu,
Vincent Dulom,
Vincent Mauger,
Aurélien Mole,
Jean-François Leroy,
Paul Raguenes

diaporama / slideshow:

March 01, 07:00 AM



"Déconstruire-recontruire", bois et peinture, 2010
photo: Aurélien Mole


"Aï Kitahara rend visible l’invisible. 
Elle enlève, retire, épure, jusqu’à révéler l’essence subjectivée des choses.” 






La galerie Bertrand Grimont est heureuse de vous présenter l’exposition de Aï Kitahara qui s’ouvrira le 27 mars 2010.

Pensées dans un souci de continuité, deux expositions au Frac Centre et au CHD Daumézon viendront prolonger cette exposition.
Aï Kitahara s’intéresse aux objets du quotidien. Elle interroge le fonctionnement qu’ils supposent et le sens qu’ils sous-tendent en tant que signes. Explorant leurs propriétés intrinsèques, elle crée des ready-made modifiés, comme autant d’objets détournés de leur usage habituel.
« Poignée » par exemple, une simple poignée de porte fixée à la cimaise, est activée par un moteur dissimulé. La pièce tourne sur elle-même indéfiniment, immuablement. Œuvre minimale s’il en est, d’une simplicité absolue, la sculpture ouvre pourtant une porte immatérielle vers notre intérieur par un jeu de réflexion.
Les objets que crée Aï Kitahara activent l’imaginaire par leur familiarité déréglée, ouvrant vers une infinité de possibles. L’artiste déconstruit pour reconstruire. Chaque dessin produit participe d’ailleurs de ce travail in progress, existant à la fois comme pièce autonome et partie incommutable de la sculpture.

Travaillant le plus souvent à partir d’un territoire, d’un « étant-donné » pour emprunter l’expression de Paul Ardenne, Aï Kitahara explore les notions de limites sous toutes leurs formes. Elle développe une recherche rhizomique autour de la frontière, celle-ci protégeant autant qu’elle emprisonne. L’entre-deux est au cœur de son travail. Des œuvres telles « Démolir-Reconstruire », aux croisements de la sculpture, de l’architecture et du design, jouent sur des équilibres précaires qui mettent en tension la stabilité des éléments et leur troublante fragilité.

"Aï Kitahara rend visible l’invisible. Elle enlève, retire, épure, jusqu’à révéler l’essence subjectivée des choses.”

@ centre d’art contemporain Bouvet Ladubay (2008) 
@ Tokyo Art Beat:"How We Divide the World" 
@ Aï Kitahara, exposition-vitrine (2003) 
@ Hors Champ (2002) 
@ Art Connexion 
@ generic I , generic II





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Galerie Bertrand Grimont @ FIAC 2010 / stand F16, excerpt


Oeuvre présentée / shown work

poignée


links:
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Guillaume Abdi, Nelson Aires, Cédric Alby, Renaud Auguste-Dormeuil, Cécile Bart, Pauline Bastard, Stéphane Bérard, Berger & Berger, Grégoire Bergeret, Mohamed Bourouissa, Guillaume Cabantous, Michel Castaignet, Claude Closky, Guillaume Constantin, John Cornu, Clarisse Doussot, Peter Downsbrough, Vincent Dulom, Ninar Esber, Simon Feydieu, Daniel Firman, Yona Friedman, Paul-Armand Gette, Felix Gonzalez-Torres, Rodney Graham, Loris Gréaud, Lina Jabbour, Olga Kisseleva, Kitahara, Isabelle Lartault, Muriel Leray, Pierre Malphettes, Vincent Mauger, Mathieu Mercier, Julien Mijangos, Nicolas Milhé, François Morellet, Grégoire Motte, Jean-Luc Moulène, Mélodie Mousset, David Ortsman, Pierre Paulin, Estefania Peñafiel-Loaiza, Éric Pougeau, Tony Regazzoni, Claude Rutault, Benjamin Sabatier, Eléonore Saintagnan, Linda Sanchez, Romain Toret, Tatiana Trouvé, Michel Verjux, Lawrence Weiner, Brigitte Zieger.
Ai kitahara, poignée, poignée et moteur, installation in situ, 2009.
Aï kitahara, dessins, impressions numériques et aquarelle, 2009.
November 16, 08:20 AM
"Nightwatcher", 2008, diasec, 148x110cm


artist @ galerie Bertrand Grimont


diaporama / slideshow:





Galerie Bertrand Grimont @ FIAC 2010 / stand F16, excerpt:

oeuvres présentées / shown works

"Biche", 2010, édition de 8 diasecs, 110 x 150 cm.

"Marylin", 2010, édition de 8 diasecs, 110 x 150 cm.

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“Blackout”, New York 2009
30X40cm, tirage jet d’encre sous verre 50X50cm
© Olivier Metzger


“Airport effect”, New York 2009
30X40cm, tirage jet d’encre sous verre 75X75cm
© Olivier Metzger

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Olivier Metzger From “NightShot” series, Marine, 2010 , © Olivier Metzger
"In the night", exposition proposée par Le Château d'Eau à la Fabrika à Moscou avec Olivier Metzger, Olivier Mirguet, Caroline Chevalier et Yohann Gozard.

March 01, 09:01 AM


"Chrysalide-empereur", vidéo 10min, 2008


latest show @ the gallery:







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NEWS 2011
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08 10 10_03 01 11 / FINALISTE POUR LE PRIX SOBEY ! 
Exposition au musée d’art contemporain Montréal
source



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NEWS 2010



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Galerie Bertrand Grimont @ FIAC 2010 / stand F16, excerpt:


oeuvres présentées / shown works




pics sds @ FIAC


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"Goldberg Experienced (short documentation)" video:

Goldberg Experienced (short documentation) from Patrick Bernatchez on Vimeo.

&

"Die zeit verschlingt" / "Projet BW" / “Blackwatch Project”



“Blackwatch project”, 2010, Montre

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BW Watch from Patrick Bernatchez on Vimeo.

&








Galerie Bertrand Grimont @ FIAC 2010 / Tuileries - cinéphémère:


"Chrysalides", image tirée du film “Chrysalide”, 
impression numérique sur pellicule plastique laminée sur plexi noir, 97x188 cm, 2007-2008
image: Aurélien Mole

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trailer generic: "trilogie_3x20sec"


March 01, 07:55 AM

"Débattre la mesure", 2007, horloge p.v.c., fils, piles, colle, peinture, photo Blaise Adillon









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Guillaume Abdi, Nelson Aires, Cédric Alby, Renaud Auguste-Dormeuil, Cécile Bart, Pauline Bastard, Stéphane BérardBerger & Berger, Grégoire Bergeret
Mohamed Bourouissa, Guillaume Cabantous, Michel Castaignet, Claude Closky, Guillaume Constantin, John Cornu, Clarisse Doussot, Peter Downsbrough
Vincent Dulom, Ninar Esber, Simon Feydieu, Daniel Firman, Yona Friedman
Paul-Armand Gette, Felix Gonzalez-Torres, Rodney Graham, Loris Gréaud, Lina Jabbour, Olga KisselevaAï Kitahara, Isabelle Lartault, Muriel Leray, Pierre Malphettes
Vincent Mauger, Mathieu Mercier, Julien Mijangos, Nicolas Milhé, François Morellet, Grégoire Motte, Jean-Luc Moulène, Mélodie Mousset, David Ortsman, Pierre Paulin, Estefania Peñafiel-Loaiza, Éric Pougeau, Tony Regazzoni, Claude Rutault
Benjamin Sabatier, Eléonore SaintagnanLinda Sanchez, Romain Toret
Tatiana Trouvé, Michel Verjux, Lawrence Weiner, Brigitte Zieger.


 "Sans titre", fils de pêche, toiles d’araignées et talc, 2007-2009, dimensions variables.
crédit photos Aurélien Mole

March 01, 08:53 AM








Mickey”, tirage à sublimation thermique, 2008


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latest show @ the gallery:





Bertrand Planes, "Two artists", one galerist, 2008



"L'univers est rempli d'objets de convoitise qui disparaissent rapidement à nos yeux. Phagocytés par la banalité de l'usage, ils en deviennent transparents. Produits de consommation intégrés au quotidien, ils transitent d'un état à un autre avant de finir au rebut. Leur présence criarde s'amenuise en un bruit blanc.

En scrutateurs du monde, Cyril Hatt et Bertrand Planes choisissent avec soin quelques uns de ces objets avant de leur faire subir un double processus. Par le truchement de l'image, chacun des volumes est dans un premier temps déconstruit. Cyril Hatt saisit toutes les facettes de l'objet choisi, chacune étant contenue dans une photographie de format standard. Fragmenté, l'objet explose et disparait. Bertrand Planes capte la surface du volume et met en mémoire les couleurs, les textures, les aspérités données par le temps. Une fois saisie dans son intégralité, la surface est recouverte de blanc, donnant à la matière une neutralité qu'elle ne possédait pas.

Second mouvement et retour à l'unité : les photographies parcellaires sont réagencées de façon à former le volume initial, couturé aux jointures par des agrafes. Les sculptures de Cyril Hatt sont suffisamment accidentées et déformées pour que l'idée du trompe-l'œil n'effleure personne, reste l'évocation en creux d'un objet devenu sujet. Bertrand Planes donne à ses volumes la possibilité de se réapproprier leur surface d'origine. Recouverts d'une peinture photosensible sur laquelle est projetée leur propre image précédemment captée, ils en deviennent ainsi le réceptacle.

Ni tout à fait les mêmes, ni tout à fait autres, les objets perdent en matérialité ce qu'ils gagnent en évocation. Les images latentes peuvent apparaitre, le réel tangible peut disparaitre, les œuvres de Cyril Hatt et de Bertrand Planes se construisent de ces transmutations."



'The world is filled with objects of desire that quickly vanish before our eyes. Eaten away by the banality of use, they become transparent. Consumer goods embeded in the everyday life, they pass from one state to the other before being discarded. Their loud presence dwindles into a white noise.

Examining the world, Cyril Hatt and Bertrand Planes select a few these objects with great care and submit them to a double process. Through the image, each of these volumes is initially deconstructed. Cyrill Hatt captures all the facets of the chosen object, each of those is contained within a standard format photograph. Fragmented, the object explodes and disappears. Bertrand Planes captures the volume surface and stores the colours, textures and the ruggedness brought by time. Once captured in its entirety, the surface is then covered with white, bringing to the material a neutrality that it did note have.

Second movement and return to unity: the fragmented photographs are rearranged to reconstruct the initial volume, seamed a the edges by staples. Cyrill Hatt's sculptures are rugged and distorted enough to put aside any idea of 'trompe l'oeil', of illusionism, what remains here is an evocation of the object raised to subjecthood. Bertrand Planes gives to its volumes the opportunity to reclaim their original surface. Covered with a photosensitive coating on which is projected their own image previously captured, they thus become their own recipient.

Nor quite the same, or quite other, the objects lose in materiality what they earn in evocation. The latent images can appear and the tangible reality can withdraw, the works of Cyril Hatt and Bertrand Planes are built from these transmutations.'

translation: Samy da Silva

about the show:

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NEWS 2011


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NEWS 2010


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previously:







Mickey”, tirage à sublimation thermique, 2008



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Galerie Bertrand Grimont @ FIAC 2010 / stand F16


Oeuvres présentées / shown works








Mickey”, tirage à sublimation thermique, 2008
pics sds @ FIAC (*)
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Installation de Cyril Hatt au Village Royal
"À l’occasion de la FIAC et avec le soutien d'art press
la Galerie Bertrand Grimont est heureuse de vous présenter une installation de Cyril Hatt."
"Il y a un an, des vitrines situées à quelques pas du Village Royal donnaient déjà à voir la production de Cyril Hatt dans ce quartier. Mais c'est directement dans l'espace public que l'artiste intervient cette fois-ci. Le rendez-vous est donc pris pour découvrir ou retrouver une facture inimitable, qui bouscule notre rapport aux objets de consommation, du petit accessoire à la grosse voiture.
Et c'est justement la représentation d'un véhicule que Cyril Hatt modèlera ici."
Joël Riff.
Commissaires : Henri van Melle et Joël Riff.
Exposition du 18 octobre au 30 octobre 2010. 8h30 - 20h"

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Emission VERN1'SSAGE - Episode 14 lundi 18 octobre 2010

liens / links Cyril Hatt:
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Cyril Hatt
La Tambouille
11 sept.-06 nov. 2010
Negrepelisse. La Cuisine




Cyril Hatt, Four à micro-ondes, 2008.
Prise de vue numérique, tirages argentiques, agrafes. 30 x 60 x 40 cm. Courtesy La Cuisine, © Cyril Hatt.

"Cyril Hatt développe une pratique de la sculpture singulière au sein de laquelle la photographie se fait volume. Pour l'exposition, il reconstituera un univers domestique autour de la cuisine et de ses composantes matérielles et symboliques.

Communiqué de presse

Invité en résidence au Centre d'art la Cuisine afin de proposer sa propre lecture de Nègrepelisse, Cyril Hatt s'est notamment intéressé au marché et à ses produits frais ainsi qu'à notre rapport aux objets quotidiens présents dans une cuisine.
Ingrédients, fruits et légumes, ustensiles, batteries de casseroles ou encore appareils électroménagers sont les sujets de ces nouvelles créations. Photographiés, ingérés puis reconstitués, l'artiste les intègre pour l'exposition dans son environnement «cuisine» au sein duquel il nous invite à expérimenter sa «Tambouille» en prenant part à l'élaboration de plats factices.
L'exposition «La Tambouille» rendra compte de l'ensemble des pièces produites en résidence. Partant d'une cuisine ancienne en formica, il présentera dans la salle d'exposition de la médiathèque un environnement «cuisine» dans laquelle il intègrera les ustensiles, l'électroménager et les ingrédients, le tout réalisé avec le même procédé technique. Plongé dans cet univers domestique le visiteur aura la possibilité d'expérimenter le procédé technique de l'artiste et de concocter sur place des plats factices au gré de ses envies.

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"Figure libre" partie 1 : Détournement d'icônes - Cyril HATT
Détournement d’icônes

Mélanger l’art et la vie : devenir l’espace d’un instant une star du football, prendre la place des nouvelles icônes que sont devenus les sportifs de haut niveau, réfléchir sur le pouvoir des logos...
J'avais découvert le travail de Cyril Hatt à Slick l'année dernière, et j'avais retenu de ses étonnants volumes photographiques une impression d densité qui était trompeuse, car il n'y a rien de plus léger que ces objets, et cela renforce l'étrangeté de ces oeuvres au réalisme malmené.
Nous avons choisi de montrer plusieurs oeuvres de Cyril Hatt dans l'exposition, et, en particulier dans cette première partie, un ensemble de "chaussures à logo", comme une interrogation sur cette sorte de hiatus entre le fantasme du logo, et la réalité de l'objet.
"Une fois passé le moment de perplexité et d’étonnement face aux objets réalistes mais étrangement usés de Cyril Hatt, on saisit à quel jeu sculptural, autour de l’illusion de l’image, de la matière, de la densité et des volumes, l’artiste nous convie. Cyril Hatt s’approprie des objets du quotidien, souvent issus de la culture populaire - une bicyclette, un tee-shirt - ou de l’univers de la rue - comme le skate-board -, à la fois ordinaires et anodins, si quotidiens qu’on ne les voit plus. Il les fait renaître sous notre regard, dans la reconnaissance troublée de cette réalité, à la fois étrange et familière.
Avec ses chaussures de sport « à logo », il présente des objets de désir « presque » à l’identique, mais qui, contrairement à une contrefaçon, se trouvent vidés de leur substance, de leur valeur marchande. « Peau » de l’objet ou simulacre, l’artefact, avec ses sutures visibles, se trouve privé d’une certaine manière de son pouvoir de séduction, montrant comme l’envers de son décor, sa métaphore négative.
Travaillant depuis longtemps sur la matière photographique, Cyril Hatt produit des « volumes photographiques » depuis 2003. Pour lui, la photographie est un matériau et un moyen de détournement de l’image de l’objet. Prenant des dizaines de clichés d’un objet sous tous les angles, il en découpe les contours puis le réassemble en volume à l’aide de simples rubans adhésifs et d’agrafes. Il le recrée alors dans ses trois dimensions, opérant ainsi un glissement des dimensions. Appliquant à n’importe quel objet ce procédé de « stéréophotographie »*, Cyril Hatt peut réaliser des objets aussi impressionnants qu’un bus ou une voiture à l’échelle 1 et même des intérieurs d’appartement entiers ! Il questionne ainsi la perception de la réalité, des volumes et de la densité par des effets d’illusion. Mais dans le même temps, cette mise en volume inhabituelle de l’image photographique n’est pas une duplication hyperréaliste de l’objet. Les photographies-sculptures de Cyril Hatt, altérées et fragiles, à la fois « bricolées et sophistiquées », semblent avoir vécu. Artefacts dotés d’une certaine étrangeté, réalités sublimées, les objets sont théâtralisés, comme des reliques, devenant simulacres de notre monde quotidien, dont le réassemblage paraît en dévoiler une forme de vérité intrinsèque.
*Depuis 2003, Cyril Hatt travaille autour du procédé de stéréophotographie.

« La stéréophotographie est un procédé qui permet de créer l’illusion du relief en superposant deux photographies prises d’un même objet ou lieu, mais à partir de points de vue légèrement différents, recréant la distance entre les deux yeux. C’est de centaines de points de vue qu’a besoin Cyril Hatt pour recréer le relief sans passer par l’illusion d’optique », François Bazzoli""
(Texte extrait du catalogue de l'exposition)
oeuvres courtesy Galerie Bertrand Grimont

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@ maison Lanvin - Bon Marché

source Cyril Hatt @ Facebook 

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"Les "Stéréophotos" insolites de Cyril Hatt"










"Des paires de basket ultra légères, une voiture grandeur nature pas plus lourde que trois kilos de farine, une botte de paille aussi aérienne qu'une plume, des sacs à main faisant le poids d'une carte de crédit, voilà quelques uns des objets insolites qu'invite à découvrir Cyril Hatt, dès ce soir au cœur de la MJC.
C'est une façon bien personnelle qu'à ce jeune Ruthénois de 34 ans de détourner les objets du quotidien, « pour transmettre un second regard sur les objets auxquels on ne prête même plus attention » explique-t-il.
Les œuvres de Cyril Hatt en surprendront plus d'un qui seront, pourtant, immanquablement admiratifs du travail de patience et de longue haleine de l'artiste plasticien. En effet les « stéréo-photos » de Cyril Hatt sont composées de dizaines, voire de centaines de photos numériques petit format (10x15 cm) agrafées entre elles et recréant en trois dimensions et grandeur nature le sujet étudié.
« J'ai toujours travaillé sur l'image et me sert de la photo comme matériau de base. Les peintres ont leur peintures, moi mes photos » explique Cyril Hatt qui a déjà exposé à maintes reprises (notamment pour la dernière 'nuit de la médiathèque') réalisé, avec Jeanne Lanvin, des vitrines d'Alber Elbaz à Paris, qui n'est autre que le directeur artisitque de Lanvin !... Il est actuellement en résidence à Grenoble (espace Vog) après une première, l'an passé, à Evry dans la banlieue Parisienne. Cyril Hatt expose régulièrement et en exclusivité pour la Galerie de Bertrand Grimont, au 47 rue de Montmorency, dans le 3ème arrondissement de la capitale ...
source (04 02 2010)
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"stations de tramway sur Fontaine changent de nom. Retour sur cette inauguration pour les stations Hôtel de ville/La Source et Vog/Fontainades."
published 01 03 2010


Tram, ville de Fontaine, 18-02-2010

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Vernissage Jeudi 4 février à 18h 30 à la MJC d'Ônet le Château

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"Cyril Hatt & the ES-335"
Performance Espace Croix-Baragnon, Toulouse, Mars 2010

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"Cyril Hatt & his magic baskets"


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"Cyril H@tt & his Alfa 33"
Cyril Hatt et ses Alfa 33 au Lieu-Commun en février 2008

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"Cyril Hatt & his Peugeot 102"


March 01, 09:12 AM
"The suburbs", série réalisée en 2010 pour le groupe de rock Arcade Fire. 'The suburbs", series created in 2010 for the rock band Arcade Fire

artist @ galerie Bertrand Grimont
texte de Charlotte Lorant


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Les couvertures du dernier album d'Arcade Fire réalisées par Gabriel Jones


March 01, 07:57 AM







"A fire"
er"


artist's website: http://thomasmanneke.com/








"Odessa, A boy drinking beer"







Vernissage samedi 6 novembre de 18h à 21h
"Entre le monde du reportage et celui de l'œuvre personnelle, Thomas Manneke évolue sur la ligne de démarcation. Arpentant les rues, l'artiste saisit au vol le cœur de la ville : son architecture officielle ou non, ses habitants jeunes ou vieux et ce qui se passe entre les deux. Le regard porté est dénué de pathos, la narration absente. Au plus près des lieux et des êtres, le photographe saisit le réel, les arrière-cours comme les monuments historiques plein d'emphase. Reste qu'aucune information n'est délivrée, aucun point de vue journalistique ne transparait ici. Au détour d'une rue, en croisant un enfant dans une église ou une étudiante aux beaux-arts, la rencontre s'opère et l'on assiste à la naissance d'une œuvre faite de choix de composition, de lumière et de couleurs. En faisant un pas de côté, Thomas Manneke choisit son camp.
Occupant la ville, les acteurs anonymes prennent possession de la scène. Liège, Odessa, Vilnius, c'est ici que les hommes vivent et Thomas Manneke dresse leur portrait. Les vieilles personnes contemplent, les jeunes s'enlacent, les enfants jouent. Chacun dans l'attente de l'évènement, dans le moment suspendu où le silence se fait. Retenue, concentration, rêverie, tout ce qui fait la vie en marge du flux incessant est saisi là. Attentif à chacun, l'artiste capte les postures et les regards dans leur aspect le plus délicat, dans ce moment de relâchement – d'abandon diront certains – issu de la confiance partagée.
Les images de Manneke donnent à voir la vie, avec son cortège de chiens errants et de jeunes gens qui dansent le soir. Sans artifice, elles montrent le temps qui passe, la rouille qui envahit les rideaux de fer et les chapelles qui se remplissent et se vident inexorablement. Au détour d'une rue, Thomas Manneke partage un instant l'existence d'hommes et de femmes, ses prises de vue reflétant la qualité de l'attention portée à chacun. De la rencontre nait l'échange et ce qu'offrent les habitants d'ici ou d'ailleurs va bien au-delà des apparences. Derrière chaque personnage se devinent les mots échangés. Sereins, les acteurs peuvent offrir leur présence au monde."
"Girl in pink dress"
/ Between the realms of news reporting and personal work, Thomas Manneke threads within their very dividing line. Walking the streets, the artist grabs the city’s heart: its official and less official architecture, its young or older dwellers and anything that happens between those. The look is bereft of pathos and narrative. Being very close to people and places, the photographer captures reality, the backstreets as much as the historical and grandiloquent monuments. The fact remains that no information is given, no journalistic point of view transpires. In the street, crossing paths with a child in a church, or a student in the art college, the meeting happens and we witness the birth of a work of art made of composition choices, light and colours. By making a step aside, Thomas Manneke takes sides.
Occupying the city, the anonymous actors take the stage. Liège, Odessa, Vilnius, this is where those men and women live and Thomas Manneke takes their portrait. The older people contemplate, the young ones embrace, the children play. Each looking forward to the event, in the hanging moment when silence is made. Reserve, concentration, daydreaming, all of which makes life outside the uninterrupted flux is grabbed here. Aware of each and everyone, the artist captures postures and gazes in their most delicate aspects, a lowering of the shield - of abandonment others will say - brought by a shared trust.
Manneke’s pictures show life as it is, with its procession of wandering dogs and young people dancing in the evening. Bereft of any subterfuge, they show the passing of time, the rust which pervades the iron curtains and the churches which fill and empty inexorably. In the street, Thomas Manneke shares the existence of these men and women for an instant, his shots reflecting the quality of the attention given to each of them. The sharing born from the meeting, and what the dwellers from here or there offer, goes well beyond appearances. Behind each character we guess the words that where expressed. Peaceful, the actors bring us their presence in the world.
translation Samy da Silva





November 17, 07:04 AM
“Thomas Manneke - Liège, Odessa, Vilnius” 06.11 - 31.12.10 
@ Galerie Bertrand Grimont




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“Jean-François Leroy, “D’une chose, l’autre” 18.09 - 31.10.10 
@ Galerie Bertrand Grimont


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"Théorème" 05.06. - 31.08.10 @ Galerie Bertrand Grimont




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“Aï Kitahara - When A Place Is Moving” 27.03 - 04.06.10 @ Galerie Bertrand Grimont


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“Grégory Derenne” 18.01 - 20.03.10 @ Galerie Bertrand Grimont


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“Olivier Metzger - Night Shots” 07.11.09 - 15.01.10 @ Galerie Bertrand Grimont


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“Patrick Bernatchez - Chrysalides” 10.09. - 31.10.09 @ Galerie Bertrand Grimont


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"Label Hypothèse - nous ne vieillirons pas ensemble" 24.06. - 01.08.09 
@ Galerie Bertrand Grimont



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“Linda Sanchez - Ritournelle et Déhanchement" 16.05. - 21.06.09 
@ Galerie Bertrand Grimont


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“Damien Sorrentino” 28.03.09 - 08.05.09 @ Galerie Bertrand Grimont


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“Cyril Hatt” 13.12.08 - 21.03.09 @ Galerie Bertrand Grimont


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Gabriel Jones @ Galerie Bertrand Grimont



March 17, 07:26 PM
BERTRAND GRIMONT, Gallerist
FRANCIS CORABOEUF, Assistant

ARTISTS:


Ouverte depuis décembre 2008 à une encablure du centre Pompidou, la galerie Bertrand Grimont représente des artistes émergents français et étrangers. Utilisant des médiums aussi variés que la peinture, le dessin, la sculpture, l'installation, la photographie ou la vidéo, chacun de ces artistes développe une œuvre exigeante, parfois nourrie d'autres champs disciplinaires tels que le design et l'architecture. Hors de toute démonstration, la galerie s'attache à présenter des travaux qui, à travers une certaine culture des matériaux, interrogent notre rapport au réel.
Ce dialogue avec le monde s'articule entre un questionnement permanent, inhérent au travail de chaque artiste, et une mise en forme qui fuit le clinquant et le spectaculaire. L'ensemble des oeuvres présentées est le résultat, forcément transitoire, d'une recherche en cours. Les projets soutenus peuvent prendre forme hors les murs et s'intégrer à des cycles à long terme. Les interactions issues des rencontres avec les acteurs du monde de l'art enrichissent les pratiques et offrent l'opportunité de déployer un travail dans des lieux et des situations autres.
Afin d'accompagner chaque artiste dans l'accomplissement de son travail, la galerie développe un travail de fond fait de collaborations et d'échanges. Autour d'une ligne directrice forte, l'équipe réunie par Bertrand Grimont prend une part active aux différents projets. Il va sans dire que rien ne serait possible sans la présence de soutiens extérieurs, amicaux et professionnels, auxquels il convient de rendre hommage. Ce travail en synergie participe à l'activité et au dynamisme de l'entreprise.
De l'atelier à l'institution, la galerie œuvre à l'aboutissement du projet personnel de chaque artiste, afin que le dialogue engagé au cœur du monde de l'art s'enrichisse de nouvelles voix.


/ Opened since Decembre 2008 and located within a close range from the Pompidou Centre (1), it represents French and International emerging artists. Using a broad range of mediums covering painting, drawing, sculpture, installation, photography and video, each one of these artists develop a demanding body of works, sometimes fed by other fields such as design and architecture. Beyond any demonstration, the gallery is strongly set in showing works which, across a specific culture of materials, question our relationship to reality.
This dialogue with the wider world is framed between a permanent questionning, inherent to each artist research, and a form of display that avoids the spectacular and the flashy. The entire body of the shown works is the result, albeit transitional, of a research in progress. The supported projects can also be brought to existence 'beyond the walls' of the gallery and be integrated in long-term cycles. The interactions brought by meetings with the artworld actors stimulates the practices and bring the opportunity to deploy a work in different places and situations.
In order to support each artist in the fullfilment of his work, the gallery nurtures a deep commitment textured by collaborations and exchanges. Federated by a strong guiding line, the team brought together by Bertrand Grimont take an active role in the different projects. It also must be said that nothing will be possible without the presence of external support, both professional and personal, for which it is necessary to pay tribute. This work in synergy is a vital aspect of the activity and the dynamism of the gallery.
From the workshop to the institution, the art gallery works for the fullfilment of each artist's project, in order for the dialogue sustained with the artworld to be enriched by new voices.
(1) aka Beaubourg - National Museum of Modern Art, Paris
(trans. samy da silva)









47 RUE DE MONTMORENCY 75003 PARIS








HORAIRES:

du mardi au samedi-14h/19h et sur Rendez-vous
/ Tues. Sat. 2-7pm & app.




CONTACT:
+0331 42 71 30 87
+0336 85 45 01 30




CREDITS:





unless otherwise:






the photos are from AURELIEN MOLE, artist & more @

































the texts are from CLAIRE TAILLANDIER, art critic @





blogs are designed & maintained by

March 02, 03:38 AM

Posts

March 02, 09:26 AM



March 04, 04:00 AM



images by
Mehdi Meddaci, "Corps Traversés (notes)", 2007, tirages lambda duraclear sur caissons lumineux


images (screen grabs) courtesy the artist & galerie Odile Ouizeman
March 04, 03:57 AM
group show


Anne Cindric, "Sainte Mère l'Eglise", huile sur toile

Anne Cindric, "Welcome to the jungle", huile sur toile

Iris Levasseur, "Topo 2", huile sur toile

Laurent Pernot, "The same (thing) elsewhere", video screening

press release image by Etienne de Fleurieu
"Shotgun Symhony" (detail), ink on paper, rifle shots

images (screen grabs) courtesy the artists & galerie Odile Ouizeman

March 04, 03:56 AM
image by
Laurent Pernot, "Mécanique céleste", installation de 250 dés en suspension, 2010

group show


work by Duvier Del Dago (low res capture @ the gallery *)

(low res capture @ the gallery *)

(low res capture @ the gallery *)

(low res capture @ the gallery *)

work by Julie Polidoro (low res capture @ the gallery *)

(low res capture @ the gallery *)

work by Brigitte Zieger (low res capture @ the gallery *)

work by Brigitte Zieger (low res capture @ the gallery *)


work by Brigitte Zieger (low res capture @ the gallery *)


work by Brigitte Zieger (low res capture @ the gallery *)




(*) other documentary images & videos by sds, 
courtesy the artists & galerie Odile Ouizeman

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March 03, 05:34 AM

THE DESMAN - Fendre la pierre et fondre au soleil"
Dessins, Sculptures, Installations
du 21 octobre au 18 décembre
vernissage / opening 21 oct. 18h - 21h.

communiqué de presse / press release













courtesy the artist & galerie Odile Ouizeman

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"THE DESMAN MOVIE" 11 septembre 2010

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+ dernièrement / lately
Galerie Odile Ouizeman @ SLICK 2010
21 - 24 oct. 2010

Esplanade du Palais de Tokyo
13 av. du Président Wilson 75016 Paris

la galerie présente / the gallery shows:


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Galerie Odile Ouizeman @ YIA #01

22 - 25 oct. 2010
22 - 24 oct. 2010
159 rue Saint-Maur - 12, rue Deguerry, 75011 Paris

la galerie présente les oeuvres de
/ the gallery shows:

October 31, 10:23 AM
Anne-Sophie Emard © 2010
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liens / links

artistes / artists @ galerie Odile Ouizeman


autres artistes / other artists

Jean-Marc Sicard
(commissaire)

31_10_10 m.à.j. / update:

oeuvres présentées / shown works

vues indicatives, oeuvres de Jean-Marc Sicard

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"Sans-titre", (série "Sanctuaire), 2006, 100x130cm

vues indicatives, oeuvres de Anne-Sophie Emard
(avec rappels, sources: site de l'artiste & galerie Odile Ouizeman)

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captures d'écran, vidéo, "Montagnes" oeuvre de

MONTAGNES (455 SECONDES) - 2009
Vidéo
HD, 7.35mn, musique stéréo

"Montagnes (455 secondes) montre un monde minéral virtuel en mouvement, par la succession de paysages où l’on voit s’élever des montagnes, comme l'accélération virtuelle du temps géologique terrestre. Inspirés par des photographies de paysages actuels faites par Laurent Pernot, cette vidéo est en quelque sorte un retour à l'origine de la formation de ces massifs, qui a précédé l'émergence de la vie humaine. La bande sonore suggère une activité souterraine volcanique puissante et inquiétante, puis nous introduit progressivement au Trio in E Flat-0 de Schubert."


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vues indicatives, oeuvres de Guillaume Amat

*

vues indicatives, oeuvres de Juan de Sande

*


"Untitled #3", 2003
80x100 cm, Edition of 3 (+2 AP)


"Untitled #2", 2004
80x100 cm, Edition of 3 (+2 AP)

"Untitled" #3", 2005
80x100 cm, Edition of 3 (+2 AP)


Untitled #8, 2004
80 x 100 cm, Edition of 3 (+2 AP)

"Untitled #4", 2005
60x75 cm, Edition of 3

"Untitled #5", 2004
60 x 75 cm, Edition of 3

"Untitled #7", 2003
60 x 75 cm, Edition of 3

vues indicatives, oeuvres de Patrick Bock
(avec rappels, source: galerie Odile Ouizeman)



capture d'écran, vidéo, oeuvre de Patrick Bock

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"On the cliff", Galicia, 2006
Nina Korhonen, série "REWIND", 100x100cm

(détail)

"Between Two Waters", 2007-2008, série "REWIND", 108x86cm

vues indicatives, oeuvres de Nina Korhonen
(avec rappels, source: galerie Odile Ouizeman)

toutes les images courtesy the artists & galerie Odile Ouizeman

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29_10_10 m.à.j. / update

source


October 31, 04:52 PM
10ème Festival accès(s) - arts et cultures numériques

"La lumière comme fil conducteur d’un festival anniversaire... Le dixième festival accès(s) célèbre la lumière (plurielle) de notre temps. Après dix ans d’existence, ce festival anniversaire réaffirme plus que jamais son engagement pour la création d’aujourd’hui dans un esprit de dialogue avec tous les publics. Ensemble, nous voulons penser et construire le monde de demain, un espace-temps éclaté, métissage de cultures, d’histoires et de technologies. Les arts numériques ne font pas table rase du passé et des richesses culturelles de notre civilisation plurielle. L’aventure de la création à l’ère du multimédia apporte un éclairage sur le monde. Un regard éclairant sur la société de la communication globale, des réseaux et de l’urgence.

PROGRAMME Jeudi 18 novembre - Soirée d’ouverture Frigos des abattoirs, Billère / Entrée libre
19h30 Performance sonore de Mathias Delplanque
20h Vernissage des expositions, en présence des artistes Etienne Rey, Cécile Babiole, Laurent Pernot, Jacques Perconte et Lucas Bigeardel
21h30 Performance sonore de Mathias Delplanque"


Expositions du 19 au 28 novembre
Les abattoirs, Billère
Tous les jours de 15h à 19h + nocturnes les vendredis et samedis jusqu’à 22h
Visites guidées pour les scolaires, les étudiants et les groupes sur demande
Vernissage jeudi 18 novembre, 20h

Laurent Pernot, Incertitudes des étoiles
installation vidéo sur rideau de fil, 2007

Le visiteur est invité à traverser un rideau de fils de satin sur lequel est projetée l’empreinte lumineuse d’un corps mu par un élan ascensionnel. Éphémère et dynamique, chaque élévation est associée à la perspective de la chute : dès lors que l’image d’un corps se fige dans un fragile instant d’équilibre, elle retombe pour disparaître à nouveau. Cette oeuvre fait référence à la notion de "gravité paradoxale" de Roberto Juarroz (1993) : "symétriquement à la chute, il y a dans l’homme un élan vers le haut. La pensée, le langage, l’amour, toute création participent de cet élan".

Production : Courtesy galerie Odile Ouizeman, Paris

vidéo, image de synthèse, 2007

Le Quid est un film d’animation ici projeté sur grand écran. Le visiteur suit la progression d’un petit personnage, mi Peter Pan mi Petit Prince, qui vole au dessus d’un monde désertique proche d’un paysage lunaire. La lumière coule de ses yeux comme des larmes. Cette oeuvre à la beauté énigmatique fait référence
à une théorie répandue dans l’Antiquité selon laquelle la vision consisterait en un rayon de lumière émis par l’oeil (le quid).

Production : Drac Picardie, Affaires culturelles Ville de Beauvais, Le Labo, Courtesy galerie Odile Ouizeman, Paris

Laurent Pernot, Chronorama
projection sonore et vidéo sur écran Altuglas, installation interactive, 2007

En l’absence de spectateur, la vidéo ne montre qu’une mer légèrement éclairée à l’horizon. Lorsque quelqu’un pénètre dans la zone de sensibilité de l’installation, les rayons d’une lumière zénithale commencent à balayer la surface de l’eau, accompagnés, si le spectateur continue à se déplacer, d’un voilier blanc presque translucide tel un vaisseau fantôme. S’il n’y a plus de mouvement dans la salle, le bateau retourne au néant. En mettant en relief le phénomène de l’apparition, Laurent Pernot revient aux origines du cinéma : cette oeuvre interactive fait référence au praxinoscope de Reynaud (1877), appareil de projection inspiré de la lanterne magique qui fonctionnait grâce à une manivelle.

Production : Drac Picardie, Affaires culturelles Ville de Beauvais, Le Labo, Courtesy galerie Odile Ouizeman, Paris

Laurent Pernot, N’ayez pas peur
Néon suspendu inséré dans une boîte Plexiglas, 2010

La petite phrase se présente sous la forme d’une enseigne lumineuse, comme on en voit dans la rue au-dessus des magasins. Mais cette enseigne est dotée d’une étrange charge affective. L’artiste donne à la phrase lumière une profondeur existentielle. L’injonction « N’ayez pas peur » est une universelle, elle rappelle
plusieurs passages des Evangiles. L’oeuvre fait écho à une autre enseigne lumineuse de Pernot : Vous ne mourrez jamais.

Production septembre 2010 : Courtesy galerie Odile Ouizeman, Paris

Laurent Pernot est un artiste français né en 1980 à Lons Le Saunier. Après ses études (Le Fresnoy, Maîtrise Photographie & Multimédia, Université Paris VIII, directeur de recherches Dominique Baqué puis multiples résidences à l’étranger), il s’attache à créer un univers qui rend perceptible le flux du temps, interroge la nature des images, et appelle à une conception large de la transmission de la vie, de l'identité, de la mémoire et de la disparition.



31_10_10 m.à.j. / update


"Le dixième festival accès(s) célèbre la lumière. Après dix ans d’existence, ce festival anniversaire réaffirme plus que jamais son engagement pour la création d’aujourd’hui dans un esprit de dialogue avec tous les publics. Ensemble, nous voulons penser et construire le monde de demain, un espace- temps éclaté, métissage de cultures, d’histoires et de technologies. Les arts numériques ne font pas table rase du passé et des richesses culturelles de notre civilisation plurielle. L’aventure de la création à l’ère du multimédia apporte un éclairage sur le monde. Un regard éclairant sur la société de la communication globale, des réseaux, et de l’urgence. ..."

March 02, 05:46 AM
Laurent Pernot: "Entre deux rives (Arthur), 2008
épreuves argentiques, contre collage aluminium, 80x80cm

"En privilégiant toutes les formes d'expressions, de la conception d'installations à la production d'images, Laurent Pernot expérimente des processus temporels, poétiques et immersifs.

Ses productions s'articulent de façon récurrente autour des notions de visible et d'invisible, du temps et des égarements de la mémoire, en s'inspirant de l'imaginaire des sciences et de la culture qui hantent l'individu comme la société. L'identit
é, la survivance, la précarité et les limites du vivant sont parmi ses thèmes majeurs, et se déploient souvent à contre-courant des principes de la modernité et de la culture de masse. Ses travaux sont très souvent irrigués de références qui amènent le spectateur à solliciter sa mémoire, et cherchent à entretenir un lien étroit entre le temporel et l’intemporel. L'exploration du potentiel fictionnel des espaces d'exposition et la relation au spectateur sont également déterminantes pour l'artiste.

Toute la pratique de Laurent Pernot débute là, dans cette volonté d'interroger ce qui structure notre monde contemporain, lui fournit ses nouveaux mythes et au final se donne comme l'unique horizon permettant de comprendre le quotidien. (...) Rarement en effet, films d'artistes n'ont à ce point cette capacité à nous marquer, à s'inscrire durablement en nous (comparable au travail de Thierry Kuntzel dans les années 1970). Cette pensée d'un corps à corps avec le film, d'une nécessité de le reconstruire après et de recomposer sa trame, puise ses origines dans son admiration pour des cinéastes aussi divers que Pasolini, Godard, Gus van Sant, Bresson. Tous ont en commun de croire que le film est un espace dynamique (activé par le montage, les images et le son) que le spectateur achève. Creuser l'image et y trouver l'indice d'un crime, ce fut le travail d'Antonioni ou de Godard. Trouver au sein de l'image, les traces d'un réenchantement est celui de Laurent Pernot. (...) Loin d'être morbides, centrées sur la mort, nombre de ses œuvres interrogent le temps et ses objets qui apparaissent comme les fragments d'un tout à reconstituer.
Damien Sausset, extrait de The Passenger, catalogue monographique réalisé grâce au concours de la ville de Clichy-la-Garenne

Pour son exposition personnelle à la Galerie du Rutebeuf, à Clichy-la-Garenne, Laurent Pernot présente des oeuvres où la figure humaine est centrale, une série d'images photographiques « Entre deux rives » qu'il a débuté en 2008 et se prolonge aujourd'hui, ainsi qu'une production vidéo récente intitulée « Cosmogonies ».

La série « Entre deux rives » est un ensemble de portraits saisis dans des conditions de lumière et des contextes urbains singuliers, entre le jour et la nuit, entre les puissantes lumières de la ville et l'obscurité de ses alentours. Des personnages esseulés interpellent par un regard où l'espoir et le trouble se mélangent, comme égarés, en fuite ou dans l'attente d'une mystérieuse présence.

La vidéo « Cosmogonies » rassemble aussi des visages, ceux de plusieurs dizaines d'adolescents, mais qui apparaissent cette fois grâce à une multitude de faisceaux de lumières changeantes, dans une atmosphère qui s'apparente à celle d'un dance floor. Les regards se succèdent dans une apparente fixité, mais progressivement, des singularités se détachent et forment une complexité tangible. Les variations lumineuses et l'indétermination des regards se mêlent alors pour composer un portrait vaste et indéfini, où les identités se métamorphosent sans cesse. Chaque visage est ici envisagé comme un être jaillissant d'un ensemble en devenir permanent. "


Galerie Municipale du Rutebeuf
16-18, allées Léon-Gambetta
92110 Clichy la garenne
Tél. : 01 55 90 52 35


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Conférence sur la photographie contemporaine (1980-2000) par Christine Monceau

"Quoi de moins original (notons que novembre est le mois de la photo...), mais de plus intéressant, pour le second rendez-vous du cycle "Connaissances et Savoirs" du jeudi 4 novembre à 18h au conservatoire Léo Delibes de Clichy, que d'organiser une conférence sur la photographie contemporaine ?
La direction de la culture et du patrimoine de Clichy propose donc cet événement en entrée libre et tout public en amont du vernissage de l'exposition "In between" de Laurent Pernot qui fera suite, juste après la conférence, dans la galerie du Rutebeuf.
N'ayons donc pas froid aux yeux et allons approcher, tant dans la théorie que dans la pratique, la photograhie conceptuelle, narrative ou plasticienne de la fin du XXème siècle..."


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March 02, 05:37 AM


Artists:
Grégoire Bourdeil, Marina de Caro, Michel François, Lothar Hempel, Melonie Foster Hennessy, Ji Ji,
Jean-Philippe Illanes, Nicolas Julliard, Arnaud Kalos, Laurent Pernot,
Janaina Tschäpe, Virginie Yassef, Jérôme Zonder

frame "La fenêtre, Laurent Pernot

Exhibition curators : Hervé Mikaeloff & Joanna Chevalier Scenography : Abdesslam Oulahbib & Clovis Picolet


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image courtesy galerie Odile Ouizeman


Peter Pan. Œuvre magique de Disney pour certains. A l’Espace culturel Louis Vuitton, elle suggère avec subtilité la peur, l’angoisse, les fantasmes et les rêves de l’enfance.
L’exposition Qui es-tu Peter? réunit 13 jeunes artistes qui s’approprient le livre original de J. M. Barrie, pour créer un parcours intimement saisissant, tel un parc d’attractions parfois obscur, parfois hypnotique, suscitant tour à tour la réflexion et l’interrogation quant au revers de l’innocence. ... /...

Le parcours commence par la simplicité froide et brillante d’une enseigne néon déclarant : « Vous Ne Mourrez Jamais », une œuvre de Laurent Pernot. ...”

Jusqu'au 9 janvier à l'Espace Culturel Louis Vuitton
60, rue de Bassano, Paris 8ème
source

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Qui es-tu Peter ?"
Par Sophie De Santis
19/10/2010

“ Peter Pan, mythe contemporain, celui de l'éternel enfant, occupe l'imaginaire de treize jeunes artistes contemporains. Chacun tente d'esquisser son profil sur un chemin sinueux qui mène le visiteur dans une contrée fantastique. Le Panda du Chinois Ji Ji dans sa Dream Box rêve de conquête spatiale, de richesses et de technologie. La Brésilienne Janaina Tschäpe peint une large fresque murale, forêt merveilleuse dans laquelle se rencontrent « araignées, singes et esprits ». À travers des supports vidéo, Nicolas Julliard met en scène une peluche blanche et Laurent Pernot propose un paysage désertique, celui du pays imaginaire que Peter Pan pourrait avoir abandonné… La morale de cette fable : le sentiment d'éternité ne hante-t-il pas le commun des mortels ?”

Qui es-tu Peter ? Espace culturel Louis-Vuitton, 60, rue Bassano (VIIIe).
Tél. : 01 53 57 52 03 .Horaires : du lun. au sam. de 12 h à 19 h, le dim. de 11 h à 19 h jusqu'au 9 janv. 2011.






“Qui Es-tu Peter ? By Espace Culturel Louis Vuitton

« Qui es-tu Peter ? », la question qui ouvre la 13ème exposition de l’Espace culturel Louis Vuitton invite à parcourir une
contrée fantastique où enfance et création dialoguent, s’inspirent, se galvanisent. Peter Pan est ce garçon qui refuse de grandir. Il habite l’enfance comme on habite l’utopie : sans se soucier de l’impossible, des limites ou du destin. Son imagination est sa plus fidèle alliée pour nourrir le flot intarissable d’aventures dont il est toujours le héros. Treize artistes contemporains investissent l’Espace culturel Louis Vuitton en choisissant d’explorer chacun un aspect du mythe, esquissant ensemble le profil du trublion. L’installation de Melonie Hennessy pénètre le temps et Laurent Pernot envisage la mort et l’éternité. Virginie Yassef, en une pépite d’or géante, ouvre un ailleurs qu’Arnaud Kalos évoque en un film où des ombres font irruption dans le trésor de l’enfance. Grégoire Bourdeil aborde les pirates par surprise, Jerôme Zonder se risque à l’amplitude de l’amour et de la haine quand le Chinois Ji Ji descend en rêve sur terre. Jean- Philippe Illanès présente, dans la vitrine de la rue de Bassano, la maison de Peter Pan où les objets ont subi de drôles de détournements. L’Argentine Marina de Caro imagine des utopies d’éducation et la vidéo de l’Hydrophile (peluche géante) de Nicolas Julliard sonde des confins abyssaux. Janaina Tschäpe propose l’écologie du Neverland, l’île de Peter Pan où Lothar Hempel met en scène des charades et Michel François des constructions d’idées. Exposition à découvrir jusqu’au 9 janvier 2011 à l’Espace culturel Louis Vuitton.”

March 03, 07:45 AM
March 03, 06:52 AM

Exposition personnelle de Florence Reymond
du 4 septembre au 16 octobre 2010
interruption du 29 septembre au 5 octobre

/ Solo show by Florence Reymond
sept. 4 to oct. 16 2010


March 16, 05:02 PM
latest show @ the gallery:










artists’ websites:


http://annguillaume.blogspot.com/


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prochainement / upcoming:













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dernièrement / lately:








Oct. 4 - Nov. 20, 2010
group show with Ann Guillaume

ENSA Paris, Cergy, France

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“Ann Guillaume & Leylagoor, Biennale de la Jeune Création 2010”


"Présentation des artistes Ann Guillaume & Leylagoor pour la Biennale de la jeune création 2010"

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March 16, 05:06 PM

prochainement / upcoming:













Dessins Exquis ouvre ses portes le 24 mars. 
Un cadavre exquis de plus de 100m réalisé par une cinquantaine d'artistes sera présenté sur les deux étages du 40 rue de Richelieu à Paris (1er), à quelques pas du Salon du Dessin, du Salon du dessin contemporain et d'Art Paris. 

Liste des artistes 
Jean-Michel Alberola (galerie Daniel Templon) 
Aurélia Alcaïs (galerie Sit Down) 
Adeline André Jean-Luc André (galerie Lara Vincy) 
Farah Atassi (galerie Xippas) 
Emilie Benoist (School Gallery) 
Jean-Charles Blais (galerie Catherine Issert) 
Elvire Bonduelle (galerie Isabelle Gounod) 
Cyprien Chabert (Fat Galerie) 
Mathieu Cherkit (galerie Jean Brolly) 
Gaëlle Chotard (galerie Claudine Papillon) 
Sylvain Ciavaldini (galerie Porte Avion) 
Sheila Concari (galerie Dix9) 
Valérie Dantas Mota (JTM gallery) 
Etienne de Fleurieu (JTM gallery) 
Artus De Lavilléon (galerie Patricia Dorfmann) 
Nathalie Elemento (galerie Fournier) 
Iris Fossier (galerie Isabelle Gounod) 
Gerard Fromanger (galerie Claude Samuel) 
Elika Hedayat (galerie Aline Vidal) 
Fabrice Hyber (galerie Jérôme de Noirmont) 
Christine Jean (galerie Area) 
Marine Joatton (galerie Vidal-Saint Phalle) 
Chloé Julien (galerie Isabelle Suret) 
Barbara Kimmel (galerie Octobre) 
Kosta Kulundzic (galerie Magda Danysz) 
Julien Langerdorff (Fat Galerie) 
Mathilde Lavenne (Backslash Gallery) 
Iris Levasseur (galerie Odile Ouizeman
Benjamin Levesque (galerie Area) 
Guillaume Liffran (John Tevis Gallery) 
Frédéric Loutz (galerie Claudine Papillon) 
Alizé Meurice (galrie Dominique Fiat) 
Pierre Mabille (galerie Fournier) 
Fabien Merelle (galerie Jeanroch Dard) 
Zwy Milshtein (galerie Area) 
Marlène Mocquet (galerie Alain Gutharc) 
Stéphanie Nava Eva Nielsen (galerie Dominique Fiat) 
Bertrand Planes (New Galerie & JTM gal) 
Julie Polidoro (galerie Odile Ouizeman
Joan Rabascall (galerie 1900/2000) 
Florence Reymond (galerie Odile Ouizeman
Philippe Richard (galerie Bernard Jordan) 
Lionel Sabatté (galerie Patricia Dorfmann) 
David Scher (galerie Jean Brolly) 
Alberto Sorbelli (Saffir galerie) 
Peter Soriano(galerie Fournier) 
Timothée Talard (galerie Gourvennec Ogor) 
Natalia Taravkova (galerie Zeitgeist) 
Agnès Thurnauer (galerie de France) 
Barthélémy Toguo (galerie Lelong) 
Jérôme Zonder (galerie Eva Hober) 
+ Guests !



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dernièrement / lately:







Paris

la galerie présente / the gallery shows:


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group show with Nina KorhonenFlorence Reymond

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"Florence REYMOND : Storyteller

Florence is a artist who likes to embark us on her stories. We could say she is a Storyteller who gives us many clues she puts all together on the canvas. But there is no confusion between those clues, she is an expert in composing them and she finds lots of interesting topics to build a very good painting. ..."




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Florence Reymond, "Offrandes au gisant", 2007, Huile sur toile, 2 x 2 m



Cliché Anthropia


Fairy nightmares of Florence Reymond VII | 06 janvier 2008
13 décembre au 26 janvier 2008
Chaos, rêveries et somnifères

10-12 rue des Coutures St-Gervais 75003 Paris
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Les Louises




“Les Louises est un groupe de trois jeunes artistes peintres : Iris Levasseur, Florence Reymond et Olivier Passieux. Parrainés par leur aîné, Marc Desgrandchamps, ainsi que le critique d’art Philippe Piguet, hébergés par la galerie Odile Ouizeman, ils se sont lancés dans l’aventure de la collaboration artistique. Ancrés dans la figuration, leurs univers personnels sont à la fois proches et distincts : éthéré et mélancolique pour Olivier Passieux, monstrueusement enfantin et jouissif pour Florence Reymond, fragmentaire et graphique pour Iris Levasseur. Ils se rejoignent néanmoins pour se fondre parfaitement dans la réalisation de tableaux de grand format dont les premiers ont été choisis par Basserode, Jean Daviot et Marc Desgrandchamps afin d’être exposés à la fondation Hippocrène dans le cadre du septième volet de ses « Propos d’Europe »”


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"Le puzzle Florence Reymond"

March 18, 06:39 AM
latest show @ the gallery:




group show


Laurent Pernot, "The same (thing) elsewhere", video screening

press release image by Etienne de Fleurieu
"Shotgun Symhony" (detail), ink on paper, rifle shots

images (screen grabs) courtesy the artists & galerie Odile Ouizeman

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previous shows @ the gallery:


image by
Laurent Pernot, "Mécanique céleste", installation de 250 dés en suspension, 2010

group show


(low res capture @ the gallery *)

(low res capture @ the gallery *)


(*) documentary videos by sds, 
courtesy the artists & galerie Odile Ouizeman

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LE CIEL EST DEVENU NOIR"
Exposition personnelle de Laurent Pernot
12 Décembre 2008 / 6 mars 2009


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(image from) 

dossier de presse / press kit



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“The Uncertainty of Stars"
Installation vidéo. Durée: 2'02 

Résident à Montréal dans le cadre du programme mapXXL des Pépinières européennes pour jeunes artistes. Réalisation : Laurent Pernot Danseur : Rémi Ouellette Lorin 

Soutenu par Unesco Culture I Musée national d´art contemporain, Séoul, Corée I I Changdong national art studio 

/// La présence physique d´un rideau à traverser, composé de fils de satin et situé dans un espace obscur, révèle une projection d´images vibrantes et énigmatiques. De façon cyclique, des particules de lumières tombent, à l`image d´une pluie incessante. Puis les empreintes lumineuses d´un corps surgissent, mu par une force insaisissable, dans un mouvement d´élan ascensionnel. Éphémère et dynamique, chaque élévation est associée à la perspective de la chute; dès lors que l´image d´un corps se fige, dans un fragile instant d´équilibre, elle retombe pour disparaître à nouveau. Ainsi, la nature des mouvements qui animent chaque corps y révèle une instabilité, une sorte de loi de la gravité paradoxale (Roberto Juarroz, revue Les Lettres Françaises, Paris, avril 1993).”





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publication:




LANCEMENT CATALOGUE 16 Décembre 2010, 18-20h, La Maison Rouge, Paris
CATALOGUE RELEASED
 December 16, 2010, 6-8pm, La Maison Rouge, Paris

LAURENT PERNOT / MONOGRAFIK EDITIONS Textes par Texts by
Claude Lévêque, Vanessa Morisset, Sandra Mulliez et 
and Damien Sausset


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prochainement / upcoming:




group show with Laurent Pernot
March 10-20, 2011






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From March 20 to April 3, 2011
"PARANOIA" group show
Le Manege, Maubeuge



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(*)
RUPTURE MON AMOUR
From April 6 to May 5, 2011

Group show with Anne Brégeaut, Alice Didier Champagne, Gabriel Desplanque, Emma Dusong, Laurent Fiévet, Eddie Ladoire, Sabine Massenet, Valérie Mréjen, Laurent Pernot





Eric Pugeau









Commissaire / Curator: Aude Cartier
@
MALAKOFF

















citing Rouben Mamoulian' 






'Silk Stockings'




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"GHOSTS AND NIGHTMARES"
From May 13 to August 21, 2011

HISTORIAL DE LA GRANDE GUERRE 81201 PERONNE
ESPACE CULTUREL FRANCOIS MITTERAND 60000 BEAUVAIS



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"IS THERE NO LONGER A MIRACULOUS IN THIS WORLD"
From May 13 to 14, 2011


Kronprinz Tower Light Project, National Centre for Contemporary Arts, Kaliningrad
NATIONAL CENTER FOR CONTEMPORARY ARTS KALININGRAD - RUSSIA



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AUGMENTED SENSES

From June 28 to July 31, 2011

Une exposition d’art contemporain ludique et surprenante dans laquelle le spectateur est invité à interagir avec les œuvres, pour le plus grand plaisir de tous
Cette exposition présente une vingtaine d’œuvres d’artistes français et chinois, utilisant les vastes possibilités offertes par l’informatique et les nouvelles technologies de l’image et du son, pour créer des œuvres interactives surprenantes. Autour de l’exposition auront lieu des conférences et débats sur l’art interactif. 

Artistes exposés : Antoine Schmitt, Félicie d’Estienne d’Orves, Émilie Fouilloux, France Cadet, Gregory Chatonsky, Pierrick Sorin, Laurent Pernot, Scenocosme, Olivier Ratsi & Anti-VJ, Aaajiao, Du Zhenjun, Hu Jieming, Lin Junting, Wang Zhungkun, Wu Juehui, Yao Chunghan, Zhang Liaoyuan, Zheng Yunhan 

Commissaires : Yan Xiaodong et Charles Carcopino 

La Maison des Arts et de la Culture de Créteil : 
Témoin de la création contemporaine, la Maison des Arts et de la Culture de Créteil s’impose comme un lieu de production et de diffusion pluridisciplinaire. Elle fonde sa politique artistique sur la diversité des arts, crée et diffuse des projets artistiques alliant le théâtre, la danse, les musiques, les arts numériques, les nouveaux médias. Elle accueille des artistes en résidence de création. Elle soutient et favorise les formes artistiques exploratoires qu’elle présente au public lors du festival EXIT (du 10 mars au 20 mars 2011). www.maccreteil.com


Organisateurs : OCT Shanghai Suzhou Creek, OCT Art and Design Gallery, Maison des Arts et de la Culture de Créteil 
Avec le soutien de : ambassade de France en Chine, Institut français, Zhabei District, China Eastern




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dernièrement / lately:







March 7, 2011 @ 7.30 - 9.00pm
Artist's lecture by Laurent Pernot

Les Arcades, Issy-les-Moulineaux

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February 22, 2011

Screenings with Mohamed Bourouissa and Neil Beloufa



@
BONLIEU SCENE NATIONALE
ANNECY


source artist's website


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ARTE VIDEO EN MEXICO
From January 13 to 14, 2011
Screenings
GIMNASIO DEL ARTE MEXICO




"Arte video francés contemporáneo en Mexico DF


El colectivo francés ImagesPassages difundirá videos de arte conteporáneo en el DF los 13 y 14 de enero. En la colonia Roma y en el CUC de Tlatelolco.

Programa cultural de ImagesPassages en México:

**El jueves 13 de enero a las 7 pm al Gimnasio de Arte en la Roma, la asociación francesa de Annecy presenta una proyección de vídeos francés sobre el tema del cuerpo en la ciudad.

Vídeos de: Philippe Astorg, Jean-Gabriel Périot, Laurent Pernot, Pascal Lièvre, Frédéric Nakache, Sébastien Caillat, Raphael Boccanfuso,Philippe Chatelain, Véronique Hubert, Eric Valette… En presencia de la presidente de la asociación y del artista Philippe Astorg.

Gimnasio del arte: Alvaro Obregón 185 piso 3, Col. Roma – Mexico DF, Tel: 52078462

**Y el viernes 14 de enero a las 6:30 pm en el Centro Cultural Universitario Tlateloco: La asociación francesa de Annecy presenta una proyección de vídeos francés sobre el tema del compromiso y una mesa-redonda sobre la creación actual en el vídeo arte.

Vídeos de: Philippe Astorg, Pascal Lièvre, Catherine Bay, Till Roeskens, Bouchra, Khalili, Eleonore de Montesquiou, Jean-Gabriel Périot, Valérie Jouve, Eric Valette, Tami Notsani & Laurent Maréschal, Mohamed Bourouissa, Clorinde Durand, Raphael Boccanfuso, Mihai Grecu, Sébastien Caillat…





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Qui es-tu Peter ? / Who are you, Peter ?” 
01_10_10 - 09_01_11 @ Espace Culturel Louis Vuitton


group show



Artists:
Grégoire Bourdeil, Marina de Caro, Michel François, Lothar Hempel, Melonie Foster Hennessy, Ji Ji,
Jean-Philippe Illanes, Nicolas Julliard, Arnaud Kalos, Laurent Pernot,
Janaina Tschäpe, Virginie Yassef, Jérôme Zonder

frame "La fenêtre, Laurent Pernot

Exhibition curators : Hervé Mikaeloff & Joanna Chevalier Scenography : Abdesslam Oulahbib & Clovis Picolet


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SUPERVUES
group show with Laurent Pernot
Dec. 10 - 12, 2010
with Imagespassages (Annecy)
@ Hotel BURRHUS, Vaison-La-Romaine



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image courtesy galerie Odile Ouizeman

Peter Pan. Œuvre magique de Disney pour certains. A l’Espace culturel Louis Vuitton, elle suggère avec subtilité la peur, l’angoisse, les fantasmes et les rêves de l’enfance.
L’exposition Qui es-tu Peter? réunit 13 jeunes artistes qui s’approprient le livre original de J. M. Barrie, pour créer un parcours intimement saisissant, tel un parc d’attractions parfois obscur, parfois hypnotique, suscitant tour à tour la réflexion et l’interrogation quant au revers de l’innocence. ... /...

Le parcours commence par la simplicité froide et brillante d’une enseigne néon déclarant : « Vous Ne Mourrez Jamais », une œuvre de Laurent Pernot. ...”

Jusqu'au 9 janvier à l'Espace Culturel Louis Vuitton
60, rue de Bassano, Paris 8ème
source

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Qui es-tu Peter ?"
Par Sophie De Santis
19/10/2010

“ Peter Pan, mythe contemporain, celui de l'éternel enfant, occupe l'imaginaire de treize jeunes artistes contemporains. Chacun tente d'esquisser son profil sur un chemin sinueux qui mène le visiteur dans une contrée fantastique. Le Panda du Chinois Ji Ji dans sa Dream Box rêve de conquête spatiale, de richesses et de technologie. La Brésilienne Janaina Tschäpe peint une large fresque murale, forêt merveilleuse dans laquelle se rencontrent « araignées, singes et esprits ». À travers des supports vidéo, Nicolas Julliard met en scène une peluche blanche et Laurent Pernot propose un paysage désertique, celui du pays imaginaire que Peter Pan pourrait avoir abandonné… La morale de cette fable : le sentiment d'éternité ne hante-t-il pas le commun des mortels ?”

Qui es-tu Peter ? Espace culturel Louis-Vuitton, 60, rue Bassano (VIIIe).
Tél. : 01 53 57 52 03 .Horaires : du lun. au sam. de 12 h à 19 h, le dim. de 11 h à 19 h jusqu'au 9 janv. 2011.




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"Brèves par Joël Riff

La première édition de Marrakech Art Fair ouvre dans trois jours. / Tino Sehgal intervient à l’Aubette à Strasbourg du 17 novembre au 23 décembre 2010. / De leur temps (3) présente les lauréats et nominés du Prix Marcel Duchamp sur dix ans. L’exposition a lieu au MAMCS ainsi qu’au FRAC Alsace du 6 novembre 2010 au 13 février 2011. / Lionel Sabatté expose cet automne à la Galerie Patricia Dorfmann et chez Dix291 à Paris, participe à la foire YIA, Young International Artists ainsi qu’à l’exposition itinérante « La belle peinture est derrière nous » dont la première étape est l’Institut Français d’Istanbul. / Laurent Pernot expose cet automne à Paris, Arles, Taverny, Anthony, Clichy et Billère. Un catalogue lui est par ailleurs consacré chez Monografik Editions. / Anne Bonnin est la commissaire et directrice de la prochaine Biennale des Ateliers de Rennes en 2012. Joëlle Folch et Marie Cantos l’accompagneront pour mettre en œuvre cette troisième édition de la manifestation. / Adrien Vescovi est actuellement en résidence à la Station VasteMonde à Saint-Brieuc. Il y exposera du 9 octobre au 2 novembre 2010. / ..."

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Laurent Pernot « In between » 
05_11_10 - 17_12_10 @ Galerie municipale du Ruteboeuf, Clichy

click to enlarge

Laurent Pernot: "Entre deux rives (Arthur), 2008
épreuves argentiques, contre collage aluminium, 80x80cm

"En privilégiant toutes les formes d'expressions, de la conception d'installations à la production d'images, Laurent Pernot expérimente des processus temporels, poétiques et immersifs.



Ses productions s'articulent de façon récurrente autour des notions de visible et d'invisible, du temps et des égarements de la mémoire, en s'inspirant de l'imaginaire des sciences et de la culture qui hantent l'individu comme la société. L'identit é, la survivance, la précarité et les limites du vivant sont parmi ses thèmes majeurs, et se déploient souvent à contre-courant des principes de la modernité et de la culture de masse. Ses travaux sont très souvent irrigués de références qui amènent le spectateur à solliciter sa mémoire, et cherchent à entretenir un lien étroit entre le temporel et l’intemporel. L'exploration du potentiel fictionnel des espaces d'exposition et la relation au spectateur sont également déterminantes pour l'artiste.



Toute la pratique de Laurent Pernot débute là, dans cette volonté d'interroger ce qui structure notre monde contemporain, lui fournit ses nouveaux mythes et au final se donne comme l'unique horizon permettant de comprendre le quotidien. (...) Rarement en effet, films d'artistes n'ont à ce point cette capacité à nous marquer, à s'inscrire durablement en nous (comparable au travail de Thierry Kuntzel dans les années 1970). Cette pensée d'un corps à corps avec le film, d'une nécessité de le reconstruire après et de recomposer sa trame, puise ses origines dans son admiration pour des cinéastes aussi divers que Pasolini, Godard, Gus van Sant, Bresson. Tous ont en commun de croire que le film est un espace dynamique (activé par le montage, les images et le son) que le spectateur achève. Creuser l'image et y trouver l'indice d'un crime, ce fut le travail d'Antonioni ou de Godard. Trouver au sein de l'image, les traces d'un réenchantement est celui de Laurent Pernot. (...) Loin d'être morbides, centrées sur la mort, nombre de ses œuvres interrogent le temps et ses objets qui apparaissent comme les fragments d'un tout à reconstituer.

Damien Sausset, extrait de The Passenger, catalogue monographique réalisé grâce au concours de la ville de Clichy-la-Garenne


Pour son exposition personnelle à la Galerie du Rutebeuf, à Clichy-la-Garenne, Laurent Pernot présente des oeuvres où la figure humaine est centrale, une série d'images photographiques « Entre deux rives » qu'il a débuté en 2008 et se prolonge aujourd'hui, ainsi qu'une production vidéo récente intitulée « Cosmogonies ».

La série « Entre deux rives » est un ensemble de portraits saisis dans des conditions de lumière et des contextes urbains singuliers, entre le jour et la nuit, entre les puissantes lumières de la ville et l'obscurité de ses alentours. Des personnages esseulés interpellent par un regard où l'espoir et le trouble se mélangent, comme égarés, en fuite ou dans l'attente d'une mystérieuse présence.

La vidéo « Cosmogonies » rassemble aussi des visages, ceux de plusieurs dizaines d'adolescents, mais qui apparaissent cette fois grâce à une multitude de faisceaux de lumières changeantes, dans une atmosphère qui s'apparente à celle d'un dance floor. Les regards se succèdent dans une apparente fixité, mais progressivement, des singularités se détachent et forment une complexité tangible. Les variations lumineuses et l'indétermination des regards se mêlent alors pour composer un portrait vaste et indéfini, où les identités se métamorphosent sans cesse. Chaque visage est ici envisagé comme un être jaillissant d'un ensemble en devenir permanent. "

Galerie Municipale du Rutebeuf
Clichy la Garenne

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Conférence sur la photographie contemporaine (1980-2000) par Christine Monceau

"Quoi de moins original (notons que novembre est le mois de la photo...), mais de plus intéressant, pour le second rendez-vous du cycle "Connaissances et Savoirs" du jeudi 4 novembre à 18h au conservatoire Léo Delibes de Clichy, que d'organiser une conférence sur la photographie contemporaine ?
La direction de la culture et du patrimoine de Clichy propose donc cet événement en entrée libre et tout public en amont du vernissage de l'exposition "In between" de Laurent Pernot qui fera suite, juste après la conférence, dans la galerie du Rutebeuf.
N'ayons donc pas froid aux yeux et allons approcher, tant dans la théorie que dans la pratique, la photograhie conceptuelle, narrative ou plasticienne de la fin du XXème siècle..."



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10ème Festival accès(s) - arts et cultures numériques

"La lumière comme fil conducteur d’un festival anniversaire... Le dixième festival accès(s) célèbre la lumière (plurielle) de notre temps. Après dix ans d’existence, ce festival anniversaire réaffirme plus que jamais son engagement pour la création d’aujourd’hui dans un esprit de dialogue avec tous les publics. Ensemble, nous voulons penser et construire le monde de demain, un espace-temps éclaté, métissage de cultures, d’histoires et de technologies. Les arts numériques ne font pas table rase du passé et des richesses culturelles de notre civilisation plurielle. L’aventure de la création à l’ère du multimédia apporte un éclairage sur le monde. Un regard éclairant sur la société de la communication globale, des réseaux et de l’urgence.

PROGRAMME Jeudi 18 novembre - Soirée d’ouverture Frigos des abattoirs, Billère / Entrée libre
19h30 Performance sonore de Mathias Delplanque
20h Vernissage des expositions, en présence des artistes Etienne Rey, Cécile Babiole, Laurent Pernot, Jacques Perconte et Lucas Bigeardel
21h30 Performance sonore de Mathias Delplanque"


Expositions du 19 au 28 novembre
Les abattoirs, Billère
Tous les jours de 15h à 19h + nocturnes les vendredis et samedis jusqu’à 22h
Visites guidées pour les scolaires, les étudiants et les groupes sur demande
Vernissage jeudi 18 novembre, 20h

Laurent Pernot, Incertitudes des étoiles
installation vidéo sur rideau de fil, 2007

Le visiteur est invité à traverser un rideau de fils de satin sur lequel est projetée l’empreinte lumineuse d’un corps mu par un élan ascensionnel. Éphémère et dynamique, chaque élévation est associée à la perspective de la chute : dès lors que l’image d’un corps se fige dans un fragile instant d’équilibre, elle retombe pour disparaître à nouveau. Cette oeuvre fait référence à la notion de "gravité paradoxale" de Roberto Juarroz (1993) : "symétriquement à la chute, il y a dans l’homme un élan vers le haut. La pensée, le langage, l’amour, toute création participent de cet élan".

Production : Courtesy galerie Odile Ouizeman, Paris

vidéo, image de synthèse, 2007

Le Quid est un film d’animation ici projeté sur grand écran. Le visiteur suit la progression d’un petit personnage, mi Peter Pan mi Petit Prince, qui vole au dessus d’un monde désertique proche d’un paysage lunaire. La lumière coule de ses yeux comme des larmes. Cette oeuvre à la beauté énigmatique fait référence
à une théorie répandue dans l’Antiquité selon laquelle la vision consisterait en un rayon de lumière émis par l’oeil (le quid).

Production : Drac Picardie, Affaires culturelles Ville de Beauvais, Le Labo, Courtesy galerie Odile Ouizeman, Paris

Laurent Pernot, Chronorama
projection sonore et vidéo sur écran Altuglas, installation interactive, 2007

En l’absence de spectateur, la vidéo ne montre qu’une mer légèrement éclairée à l’horizon. Lorsque quelqu’un pénètre dans la zone de sensibilité de l’installation, les rayons d’une lumière zénithale commencent à balayer la surface de l’eau, accompagnés, si le spectateur continue à se déplacer, d’un voilier blanc presque translucide tel un vaisseau fantôme. S’il n’y a plus de mouvement dans la salle, le bateau retourne au néant. En mettant en relief le phénomène de l’apparition, Laurent Pernot revient aux origines du cinéma : cette oeuvre interactive fait référence au praxinoscope de Reynaud (1877), appareil de projection inspiré de la lanterne magique qui fonctionnait grâce à une manivelle.

Production : Drac Picardie, Affaires culturelles Ville de Beauvais, Le Labo, Courtesy galerie Odile Ouizeman, Paris

Laurent Pernot, N’ayez pas peur
Néon suspendu inséré dans une boîte Plexiglas, 2010

La petite phrase se présente sous la forme d’une enseigne lumineuse, comme on en voit dans la rue au-dessus des magasins. Mais cette enseigne est dotée d’une étrange charge affective. L’artiste donne à la phrase lumière une profondeur existentielle. L’injonction « N’ayez pas peur » est une universelle, elle rappelle
plusieurs passages des Evangiles. L’oeuvre fait écho à une autre enseigne lumineuse de Pernot : Vous ne mourrez jamais.

Production septembre 2010 : Courtesy galerie Odile Ouizeman, Paris

Laurent Pernot est un artiste français né en 1980 à Lons Le Saunier. Après ses études (Le Fresnoy, Maîtrise Photographie & Multimédia, Université Paris VIII, directeur de recherches Dominique Baqué puis multiples résidences à l’étranger), il s’attache à créer un univers qui rend perceptible le flux du temps, interroge la nature des images, et appelle à une conception large