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- Jul 06, 11Éste es un repaso imparcial, un análisis emocional e interior del cine que ha marcado en forma y fondo a miles de jóvenes en diferentes épocas. Son trabajos que le hablaron a las generaciones del mundo, tanto a las mayorías como a las minorías. Son, en esencia, la forma más pura del arte. Una voz hecha imagen, generaciones representadas por aullidos de locura, por enfrentamientos al sistema, por romances melancólicos. Éste es un pequeño repaso por el cine que dejó huella en el inconciente colectivo. Algunos son trabajos premiados y reconocidos, pero que en un inicio fueron repudiados por un sector y amados por una juventud loca por conocer nuevas emociones. Hoy rendimos un tributo a los filmes con ACTITUD. Actitud incómoda, reprimida, moderna, sensible, frenética, bizarra y en su mayoría… arriesgada.A Clockwork Orange (1971)Dir. Stanley KubrickEl cambio de las generaciones representada en composiciones inteligentes y movimientos de cámara que reclaman una evolución. Un personaje enigmático y anarquista que es frenado, revelando así, nuestra condición de vendidos.Stanley Kubrick jamás esperó que el publico, por un lado, rechazara la película y la repudiara argumentado que generaba la llamada hiperviolencia en los jóvenes confundidos, entre hippies y existencialistas. Kubrick, tampoco imaginó que esta película revolucionara la ideología de una generación, y no sólo de una, de las cuatro que siguieron. Ver esta película es crecer, o por lo menos aparentar hacerlo.Y no es la novela de Anthony Burgees, ya que mucha gente leyó la novela después de ver, o saber del filme. Kubrick toma dicho texto y lo adapta a una sociedad que perdura en las sombras. Una sociedad enajenada, en mutación. Y es que “A Clockwork Orange” destila actitud y estilo en cada cuadro, se desborda de locura, de adrenalina. Nos hace sentir escalofríos sutiles por todo el cuerpo al ver las secuencias violentas, producto de la lucidez descomunal de Kubrick. Su magnifica forma de ver el cine nos revela una distopia acelerada que ha inspirado a cientos de músicos y artista en general.Manhattan (1979)Dir. Woody AllenUna ciudad cosmopolita, de culto y tradición en el recuerdo artístico. Una urbe de grandes magnitudes intelectuales, que respira moda y creación. Manhattan es la cumbre de la realización Norteamericana. Es un lugar donde conviven los diferentes estereotipos de creadores, de jóvenes artistas o de jóvenes empresarios.Allen, con un dominio pleno del colectivo general de esa generación, crea este filme, alabando virtudes y defectos de los jóvenes existencialistas. Poniéndose a si mismo como un alma confundida y enferma. Desarrollando un triángulo amoroso, nueva vida al sexo y que muera la rutinaria forma de hacerlo. Aprecia a un sector juvenil que busca nuevas experiencias, nuevos placeres y nuevas formas de satisfacer sus vidas de nuevos adultos.Al resaltar todos estos detalles, Woody Allen nos está contando un melodrama típico. Sucesor de Billy Wilder y de su manejo de las calles neoyorquinas. Allen formula su critica a una sociedad alienada y superficial. Un grupo de adultos egoístas y libertinos.Manhattan es base de una tradición yanqui en lo que se refiere a la juventud de esos días.Blow-up (1969)Dir. Michelangelo AntonioniEl uso de los silencios y los planos descriptivos también es un lenguaje que genera satisfacción visual. Estamos acostumbrados a las historias con un tempo no descriptivo, algo más pasajero. Lo que envuelve a esta película, su base, su esencia, es enigmática y muy generacional.Se basa en “Las babas del Diablo” del gran Julio Cortázar, historia corta que introduce a un personaje oscuro, el escritor involucra al lector de una forma tremenda en la historia, lo hace participe de los acontecimientos, lo hace navegar en aguas simplemente incoherentes pero con mucho sentido. A su vez, Antonioni, autor con un sello mágico en cada filme, recrea su percepción de la historia dotándola de símbolos que generan un enigma, como en la historia de Cortázar.Vale la pena resaltar la creación de los espacios, hablan más del personaje que el personaje en si. Espacios amplios, algo abstractos. Este acierto en la dirección de arte se complementa con el desarrollo del protagonista que evoluciona junto con una generación.The Rules of Attraction (2002)Dir. Roger AvaryOtro Escritor en el cine, el gran Brett Easton Ellis. Esta película escupe actitud en cada cuadro, a cada corte, intercorte y movimiento de cámara. En este filme, a diferencia de las otras adaptaciones que he mencionado, se siente por todos lo poros de la piel la mano libertina y audaz de Easton Ellis.Aborda de lleno la juventud americana. Una secuencia inicial que retrata cada detalle del que se hablará durante todo el filme. Secuencia sin limites, comparada con una pieza punk desenfrascada. Y así todo el filme. Sudor, lágrimas, carácter vomitivo, inspiración estúpida para complementar nuestra patética existencia “yuppie”. Puedo pensar en Sonic Youth cada vez que veo este filme. Me revuelve las ideas y me complace con rock and roll.Tampoco es perfecta. Algunas interpretaciones se quedan limitadas por lo actores que aparecen. Le trama se resuelve sin mucho espíritu, sin mucho ardor ni agresividad. Pero, la realidad, es que nadie le puede quitar el mérito a esta película.Wild at Heart (1990)Dir. David LynchLynch ahorcó sus ideas, las saturó de horror, de secretos oscuros. Lynch se suicidó en su mundo nada neutral. Buscó la vida a través de las desenfrenadas carreteras y los amores imposibles que son perseguidos por brujas típicas, frías y vulgares.Nociones de muerte, de magia, de testosterona. Amor real representado en un par de jóvenes con la carretera como sueño, con la vida como insulto y con el amor como bandera.Es una historia con el simbolismo suficiente para ser entendida. No cruza la línea-frontera a lo absurdo, pero tampoco de queda en lo digerible. Sin ser pretencioso, el director, marca sus bases para de ahí, explotar. Dirigir a sus actores con locura, experimentar con espacios oníricos, con vestuarios ridículos y modernos.Sus bases: la elegancia de un gran guión y la sutileza de un casting juvenil romántico hasta las venas, colérico, sangre, drogas.Es en este filme donde la juventud converge en su ideal más atípico de relación. Es un sueño iracundo. Con personajes secundarios que nos sirven de atrezzo, de refuerzo emocional pero a su vez de grotesca estética emocional. Salida de un mundo como el de Oz hacia los sueños de una sociedad sureña, mediocre y patética. De Oz hacia el filtro surrealista de Lynch, filtro que nos ha dado un par de buenas obras, esta sin duda la más grande.
- Jul 06, 11Un viaje, en el sentido menos puro de la palabra, implica un cambio desde el punto de partida hasta la meta. En ese trayecto de Punto A al Punto B es donde una serie de acontecimientos ocurren que nos hacen crecer, meditar y cambiar. No eres el mismo del punto de partida, empezando por que ya no estás en el mismo lugar.Elisa Miller resaltó de entre un grupo de estudiantes de cine cuando su cortometraje “Ver Llover” ganó la Palma de Oro en el Festival De Cannes 2007. Una joven y entusiasta del cine y el arte fue a vivir a Francia lo que muy pocos han celebrado, el estrellato inmediato. Ahora, Miller tenía todos los ojos en ella, los estudiantes en México la abucheaban (muy típico del mexicano en tirarle a los suyos) y cineastas como Alfonso Cuarón y Fernando Eimbcke se interesaron por esta jovencita, pero no cabe duda que una gran expectativa creció por ella.Después de cuatro años de ausencia llega “Vete más lejos Alicia”, premisa para su aún no comenzada Opera Prima. Un mediometraje que se enfoca en el viaje de una mujer, que busca desesperadamente huir de su país para ver la nieve en el lugar más recóndito del planeta, la Patagonia. Para quienes no vieron la vieron, “Ver Llover” trata sobre una jovencita que quiere salir de su pueblo. Ligando ambas historias, una es el porqué del viaje, y el otro es el viaje en sí. Sofía Espinoza, protagonista de ambas películas, muestra un enorme crecimiento de una a otra, y Miller también lo hace en dirección, aunque es el crecimiento dramático de Espinoza lo que en verdad ayuda a la historia de Alicia.Desafortunadamente, la cinta carece de un guión que le de cimientos, forzando la historia y las incidencias cuando los personajes se encuentra. Forzando también la forma en la que se desenvuelven los mismos personajes en las situaciones. Se aventura a contar la historia con varios formatos de filmación, sin que tengan una cohesión, pretendiendo un diario de viaje pero logrando más que nada, entorpecer a una ya obligada historia.No le voy a tirar a Elisa Miller, pero tampoco voy a aplaudir su obra. Respeto su discurso, su búsqueda por un lenguaje particular, centrándose en la poética de la imagen, y hablando con silencios. Cuenta historias de la juventud, de su intolerancia a la permanencia, de su disgusto por su patria y dónde la única pasión que sienten es por el de vivir. Se distancia de las cintas políticas y comedias románticas con las que Televisa y TV Azteca se han encargado de dopar al pueblo. Busca una autoría.Alicia es Elisa, y como algunos antes de ella (como Carlos Reygadas y Gerardo Naranjo) pretende escapar de las garras de un país que no tiene cabida para el cine de autor.Sarah León Parra
- May 08, 11Por Sarah Carolina León ParraUn día deja de ser común. Amanece volteado, donde las cosas que ocurren no son obras del “porque si”, sino obra de aquel que surca el cielo de cabeza, que hace las cosas para que las piezas del rompecabezas cuadren de una vez por todas, para poner a prueba a los hombres. El Diablo ha llegado.La imaginación de M. Night Shyamalan, confabulador que nos trajo a la pantalla The Sixth Sense (1999) y The Last Airbender (2010) y la dirección de John Erick Dowdle nos trae ahora Devil (2010), una historia sobre como las coincidencias se dejan de existir cuando se reúne un grupo de gente que no ha sido buen samaritano, buscando dos finales, su eterno castigo o su redención. Chriss Mesina encarna a Dtve. Bowden, un hombre atormentado por un pasado trágico, que ha caído en el abrazo del alcohol y ahora regresa al trabajo investigando un suicidio sospechoso. Aquella investigación lo lleva a convertirse en espectador de un suceso por usual. Cinco personas atrapadas en un elevador y poco a poco dejando su cuerpo sin vida de manera violenta.Mi primera aproximación a la película fue buscando saber como se puede mantener la tensión y atención de un público durante hora y media y un solo espacio. Los agentes externos apoyan al drama y la tensión, pero está muy bien logrado el misterio dentro del ascensor, donde uno busca junto con los cinco integrantes de la micro-masacre encontrar el verdadero villano.Narración y estructura de un Cuento de Hadas, regresamos a una película nada alejada de lo que nos presenta Shyamalan en antiguas entregas. Historias que invitan a la reflexión sobre los valores del hombre (asemejándose más a The Village (2004) o Lady in the Water (2006)), sobre lo bueno y lo malo y quien debe triunfar. Me gusta que al final, el mundo sigue siendo de tonos grises y el trabajo del mal nunca terminará.Por otro lado, tenemos al director John Erick Dowdle, quien saltó a la fama por su remake de Rec (Jaume Balagueró y Paco Plaza, 2007), Quarentine (2008), y su sádica película The Pougkeepsie Tapes (2007). Un joven director en formación que busca mostrar una visión del mundo satirizando su horror con ficción. Yo espero ver más de él, que con buena técnica e ingenio supo mantener mi atención en un claustrofóbico espacio.Como conclusión, encuentro en Devil una película fresca, sin pretensiones de ser la mejor película de terror, ni de asustar, o mostrar chorros de sangre. Va mucho más enfocada a exponer a los hombres, a sus errores e hipocresía. Tiene sus detalles de melodrama, lugares comunes y un narrador, pero la fotografía y movimientos de cámara son interesantes, el arte al igual es simple y digerible. Así como Lady in the Water, es un cuento de hadas, una historia para niños, o adultos que aún son niños, y así como en The Happening, no creo que sea una película que guste, pues no es sangrienta, no de miedo pero si trae una moraleja final. El diablo surca los cielos, aguas con caer en su juego.
- Mar 27, 11por Sarah Carolina León ParraLo que hace el tiempo, se consume rápidamente. Cada segundo cuenta y cada semana se termina y no va a volver. Aprender a escribir dietarios es imposible ahora en una sociedad que consume tiempo como consume Red Bull para mantenerse despierto. Incluso nosotros muchas veces olvidamos nuestro cometido como generadores de conciencia. Nuestro arte se vuelve mediático, influenciado por el pop, por la rapidez, lo permisible y lo efímero. Somos rockstars buscando una última gota de adrenalina eficaz que nos permita estar al par con la sociedad siempre creciente que nos obliga a realizar más de dos cosas a la vez.Escribo, cocino, leo, escucho música, todo al mismo tiempo que trato de pensar en el análisis de un film que habla de lo mismo y nos pone en pantalla el momento donde el tiempo se vuelve fundamental, donde los segundos cuentan. Ahorrar es necesario, pensar y respirar es crucial. La sociedad desaparece. 127 horas es lo único que nos queda.Danny Boyle lo sabe. Se engrandece de hacernos contar los segundos donde nos preguntamos “Somos niños, u hombres”. Nos pone al límite en pantalla, y aunque a muchos no nos gustó su última entrega Slumdog Millionaire, sabemos que no le debemos perder la fe. Nos trajo Trainspotting, 28 Days Later, o Millions y ahora 127 Horas, compitiendo por premios en todas partes, incluso los famosos Premios de la Academia. Una película que llamo la atención del público y como no hacerlo. Nos identificamos con esta velocidad. Lleno de tomas rápidas, sonidos, colores. Las caricaturas, las bebidas energéticas, todo aquello que nos obliga a permanecer. Imposible desaparecer y es una condena el alejarse de esto que ya vemos tan cotidiano… los medios siempre en control de todo.Aron Ralston, un hombre que depende de esta sociedad, quiere alejarse de ella. Le gusta la adrenalina y romper con los paradigmas (sin percatarse que la misma sociedad le obliga a romperlos). Camina entre piedras, en el desierto árido de Utah. Corre, grita, disfruta de la quietud naturaleza mientras escucha música a todo volumen. Irónico. Aron, a causa de un desliz, su ambición y su torpeza, queda atrapado entre las piedras que tanto desafía. Su mano muere instantáneamente por el peso de la piedra que lo tiene encarcelado, y ahora deberá sufrir ante la naturaleza, alejado de la inercia de la sociedad. Una historia de supervivencia y de cómo en el momento más bajo de nuestras vidas nos enfrenamos a nuestros monstruos. Cae la noche y el día se vuelve oscuro, pero siempre debemos luchar para escapar, continuar y volver. Que cosas tan fuertes nos cuenta Danny Boyle, que historia tan más cruda, enferma y desafiante y todo basando en una historia real.James Franco tenía que personificar esta historia, El actor joven por excelencia que encontramos donde sea que volteamos. Es un chico happening, de moda. El niño no lo hace nada mal. Nominado al Oscar por su cruda personificación, y lo tenía bien merecido, lástima por la incompetencia de la academia. Franco sabe hacernos sufrir, sabe estudiar al personaje que es Aron Ralston y traerlo a la pantalla, su desesperación, su galantería. Bien James Franco.Danny Boyle impresiona con su montaje, con su sonido, su fotografía, su arte. Su forma tan elegante, actual, moderna y excitante. Adrenalina y colores a todo lo que da. Lo mismo que tomarte una bebida que te reviva, pero en el momento donde se deja todo eso a un lado, las bebidas se acaban, el clímax empieza a subir. La desesperación no es solo del protagonista, es de todo el público, sufriendo de la manera estomacal la sordidez con la que presenta la desesperación e invitándonos a ser parte del problema y buscar una solución. La forma del film bien manejado y logrado dentro de un estilo cinematográfico eficaz, veloz. No abruma y no aburre.Ahora, el final. Un momento bello, donde el protagonista logra arrancarse su propio brazo para sobrevivir, corre y encuentra un poco de agua la cual bebe del suelo. Regresamos a los elementos naturales que nos dan vida, pero la tenía que hacer mas grande, regresar a los medios, hacerla una historia de inspiración y de superación, rindiéndole honor a aquel individuo a quien si le pasó esta catástrofe, un enfrentamiento con la muerte que lo revivió. La obra de superación, de lucha, de dejar pedazos de uno atrás para seguir adelante, se vuelve una patética historia moralista. Me perdió completamente. Nos llevaste por una montaña rusa de sentimientos, me hiciste vomitar y sufrir junto con el personaje. Retomo lo anterior dicho, los medios siempre en control de todo que deben convertir una cruda historia en un cuento de superación.Pero a fin de cuentas, yo soy una mera lectora, escritora y visualizadora. Aplaudo a los que se atreven, a los que viven en las calles y se enfrentan a la naturaleza. Yo sigo atrás de un portátil, esperando que mis palabras te inviten a ver una película, que me hace querer salir a correr y vivir para experimentar lo que este hombre sufrió. Me gustan los que sufren... y me gusta que el cuerpo duela por las mañanas. Eso es en lo que nos ha convertido la sociedad, gente que quiere sufrir, que le gusta el dolor para sentir y olvidar el cuerpo adormilado que nos deja el sentarnos en un sofá al final del día y ver la televisión.
- Mar 14, 11La llamada evolución de un director de cine se nota en su tercera película, en su quinta, hasta sexta. Pero cuando hablamos del largometraje número cuarenta, creo que ha quedado muy claro que el director en cuestión es un autor. Es un hombre que plasma ideas sólidas y directas en la pantalla. También es un artista que sabe consolidar la mente y el comercio… Claro, siempre habrá excepciones. Terrence Malick produce una película cada cuatro años, se da este lujo porque no vive de esto, lo hace por gusto. Pero la gran mayoría de los cineastas del mundo pertenecen a una industria que alimenta familias y que entretiene sociedades.Hay un pequeño hombre que se comió la industria, que bebió de Godard, de Bergman y de los hermanos Marx. Un hombre que ama su tierra y la hizo sede de las mejores comedias y melodramas que el cine ha presenciado. Su penúltimo largometraje “You will meet a talk dark Stranger” es mediano, endeble y flojo. Pero la realidad es que al tener casi cincuenta títulos en su historia de trabajo, lo menos que podemos hacer es criticar y ahora es momento de ponernos a valorar cada instante de él en la tierra.La película transcurre en Londres. Melodrama cotidiano para Woody Allen, nos cuenta la historia del ser humano. Hipócrita, infiel, contradictorio, esperanzado… es una película que en esencia nos muestra el oscuro legado que se tiene en las familias. Legado de codicia y desesperación. Es el claro ejemplo de cómo el dinero corrompe a los hijos, a los nietos, y es que todos somos seres humanos. Como el señor de setenta años que es. Notamos su énfasis por las historias de gente mayor. Abuelos con conflictos existenciales. A partir de estos conflictos entendemos el carácter de los hijos y los nietos. Como ya mocionaba… no es una película nueva, y menos si has visto algo de la obra de Allen. Pero hay algo que pasa con esta película, habla mucho del propio Allen. No dice lo cansado que está, como decadencia, si no esperando el relevo que se ve demasiado lejos y parece que no llega.Reitero mi punto en cuanto a la esencia que hay de Allen en este filme con el tratamiento que le da a la dirección en general. Son puestas en escena, deja a su actores libres en un set. Deja que fluyan en sus interpretaciones y la cámara los sigue. Notamos que en su proceso de creación ya no existe la palabra innovar, para eso es mejor ver “Annie Hall”(1977) o “Decostructing Harry”(1997). Eso si, todo con belleza y dulzura en el diseño de producción. Todos los colores tienen un porqué, los espacios a su vez están diseñados para enfatizar el carácter del personaje en cuestión. De una forma sutil, pero estos guiños que lo hacen grande ahí están. Los elementos dramáticos como la fe, la avaricia y la muerte, siempre son parte de sus obras, los maneja con demasiada inteligencia. Nos hace recapacitar sobre la suerte, la fortuna. Nos hace pensar en nosotros mismos como familia y como sociedad. Ese es Woody Allen.Hay dos formas de recibir esta, y las películas que faltan de Allen. La primera es esperar salir del cine impactado, conmocionado, histérico de risa. Esto si sólo has visto las últimas cuatro… La segunda es salir satisfecho de que Woody Allen siga ahí, demostrando que a su edad nadie se le compara. Satisfecho porque una vez más nos trato de echar en cara las partes miserables de los eres humanos y de las relaciones. Nos llevó por el camino del amor fallido, negro.Cabe destacara que “Whatever Works” (2009) fue precisa y mucho más acida en le tratamiento del guión y del protagonista. “You will meet a tall dark Stranger “ sigue con la analogía del ser humano y de su decadencia pero con mucha más forma que fondo.Cuando alguno de estos “nuevos autores” norteamericanos logre escribir un guión como “Manhattan” (1979) ó “Hannah and her Sisters” (1986), podremos saber que Woody puede retirarse. Por el momento, y con estos años encima, sigue siendo el autor Norteamericano mas lúcido e inteligente que conozco.
- Feb 15, 11por: Sarah Carolina León ParraPensemos en el Ballet. Una forma de expresión artística que requiere de precisión y dedicación. Nada conocemos de lo arduo de este trabajo que requiere sudor y sangre de las delicadas bailarinas que lo representan. Sabemos que el ballet es delicado, hasta nos mofamos de aquellos hombres que externan su sensibilidad a través de la danza. Pocos nos atrevemos a entenderlo, muchos sólo disfrutamos de admirarlo. Existe una obra que deja esto a un lado, que toca temas tan oscuros como el ser humano mismo. En 1876 Pyotr Ilyich Tchaikovsky escribe El Lago de los Cisnes. En el 2010, Darren Aronovsky lo retoma de una forma más real y viseral.Black Swan es la nueva entrega de un director que se ha dado a conocer por sus historias sobre lo oscuro del ser humano y la decadencia de los vicios y comportamientos que lo atormentan día con día. Hombres y mujeres reales que sufren excepcionalmente ante la sociedad. Black Swan cuenta la historia de Nina (Natalie Portman), una bailarina de Ballet obsesionada con la perfección, buscando protagonizar una de las obras más aclamadas de la historia del Ballet: El Lago de los Cisnes. Toca temas como lo son la bipolaridad, trastornos psicológicos y celos llevando la trama de la famosa obra de Tchaikovsky a una enfermedad psicológica de una mujer aprisionada en un mundo que exige la perfección y competencia de la forma más elegante posible. Nina se enceuntra en este mundo ambivalente, aprisionada por su madre (Barbara Hershey) quien la quiere mantener virgen e inocente, el director de la compañía (Vincent Cassel) que busca extraer aquel pájaro negro que en ella habita y una rival (Mila Kunis) completamente opuesta a ella, su Doppelgänger.Aronofsky trabajó arduamente buscando una película sobre las dobles personalidades y enfocarlo a un aspecto humano, adaptándolo a una tragedia en forma de thriller psicológico. Su concepción fue mucho más allá de una obra banal, buscó la integración de la estética de los elementos y el color en diferentes departamentos creando una obra íntegra. Color blanco pureza y negro oscuridad. Colores pasteles que evolucionan a grises y rojos conforme a la evolución del personaje. Una cajita de música, que es el mismo protagonista, su propio tormento durante las noches, hasta que esta se rompe. Crujir de los huesos, llantos, respiraciones. Sonido calculado y medido que realza el sufrimiento de un bailarín de ballet. Música de Clint Mansell jugando con la pieza de Tchaikovsky que dio vida a la historia que se nos presenta, alterándola y convirtiéndola en una obra moderna y sórdida. Incluso sus efectos especiales se vuelves sutiles y elegantes.Matthew Libatique presenta tomas largas y bien calculadas con una notable influencia en las nuevas corrientes del cine francés. Cámara en mano que nos introduce de manera íntima al personaje, convirtiéndonos en participe de su medio ambiente, de sus temores y de su sufrimiento. Toma el riesgo de meterse al escenario y bailar junto con Nina. Convierte al espectador en un bailarín. La escena final, donde a través de un plano medio nos muestra la evolución de la protagonista de una forma que se asemeja a los orgasmos que tiene tan prohibidos, deja todo a la actuación bien trabajada de una Natalie Portman que se consagra como actriz que dedica su vida al arte de la interpretación.La innovación en el lenguaje cinematográfico es esencial cuando se refiere a un director como autor. Aronofsky logra con Black Swan traernos una nueva visión sobre los delirios del arte. La búsqueda de la perfección obligan a la destrucción y renovación de uno mismo. Una obra cinematográfica bien preparada, bien desarrollada, fabricada para verse en el cine y apreciar el duro trabajo de talentosos artistas.
- Feb 04, 11El personaje. La figura del año pasado. El multimillonario más joven. Mark Zuckerberg.De esto habla David Fincher en su nuevo filme. De la creación del emporio que dio vida a toda una nueva generación de chicos, que contradictoriamente, no llegan a ser tan interesantes como los creadores del mismo.Yo me esperaba una sub-trama que hiciera reflexión al fenómeno mediático que significa esta red social. No, la realidad es que la sub-trama de la historia nos demuestra como el poder destruye y crea relaciones. Cómo el ayudarse de los medios correctos y el rodearse de la gente necesaria puede generar tanto un gran negocio como un ser obsesivo, megalomanazo y rencoroso. Todo se basa en este personaje, Zuckerberg. Sus motivos, simples. Una exnovia que le sirve de detonante y un mejor amigo al cual le va muy bien en la vida, mejor que a él. No lo mueve el joder a la sociedad, no lo mueve el ser geek, y mucho menos el ganar dinero. No olvidemos que el contexto es Harvard, creo que es relevante mencionarlo ya que muchos de los cabos sueltos en la historia el viejo Fincher nos lo quiere solucionar con “Ahhh estamos en Harvard, donde todo puede pasar”.Entonces, al tener un detonante algo vacío la película deja a un lado la historia y se refugia en otras grandes ramas del cine como el montaje, que es una de los aciertos de la película. Este recurso del montaje (como ya se lo vimos hacer a Danny Boyle en “Slumdog millionare”) nos expresa un déficit de atención en la historia, guión. Nos hace ver que el conflicto del protagonista es simple, fácil, predecible. Además de esto en el punto medio de la historia nos introducen a un personaje muy mediano que si se hubiera trabajado bien, hubiera podido darle vida de nuevo a la historia. Hablo del igualmente controvertido en su momento, Sean Parker. Estos dos “visionarios” se conocen por obra de la casualidad, error. No puedes introducir a un personaje con tal peso en la historia así. Este personaje le aporta muy pocas cosas a nuestro protagonista, las aporta pero la audiencia ya las ve forzadas. En un mundo ficticio también pudo haber intervenido en la historia Metallica o el dueño de Starbucks o cualquier persona poderosa con wi-fi. Y no es válida la frase de defensa más utilizada en el cine “Es ficción, todo puede pasar” ya que la mayoría de los puntos importantes de la película se dan por casualidad.Sobra hablar de Jesse Eisenberg ya que no es el personaje más interesante de la película. Fijemos nuestra atención en todos los demás personajes y en los actores que los interpretan, ya que son ellos los que le dan algo de vida a “The Social Network”, claro Justin Timberlake, no. El personaje a seguir es el que interpreta Andrew Garfield, Eduardo Saverin el mejor amigo de Zuckerberg, con un conflicto digno de la pantalla grande.
- Jan 11, 11Por: Sarah LeónMucho se ha escrito sobre las teorías del cine, sobre sus formas, sus fondos y trasfondos. Jean-Luc Godard nos ha mostrado ensayos sobre el lenguaje y busca, en cada una de sus películas, nuevas formas de contar historias. Andrei Tarkovsky en su tiempo hizo lo mismo, esculpiendo el tiempo con obras poéticas audiovisuales. Dos personajes que han llevado el arte al cine. Hoy, una película se ha convertido un medio de entretenimiento y ocio, alejándose de lo que la definió como el Séptimo Arte, donde sus autores se han orillado a directores bajo el mando de grandes productoras y medios de tabloides que nos muestran este medio ahora llamado farándula.Dentro de este mundo, existe una rama de estrellas que viven de los excesos que les regalan los escenarios. Sexo, alcohol, drogas. Es a través de las fotografías de los ansiosos paparazzi por la cual los espectadores vouyuristas se enteran de la fugaz vida de estos actores consentidos que se dedican al entretenimiento de miles de ociosos. Este es el mundo en el que se nos presenta a Johnny Marco, un joven actor viviendo de esta farándula y el protagonista de la nueva película de Sofía Coppola titulada “Somewhere”. Marco, se vuelve prisionero de los paparazzi, de un famoso hotel, de entrevistas vacías, de la rutina y ahora de un yeso en el brazo que lo mantiene inhabilitado. Se empieza a aburrir y ahora se pregunta si esta es una vida que el desea vivir. Su hija Cloe le brinda un nuevo panorama sobre lo que es la vida de familia alejándose un poco del mundo de Hollywood, aunque no del todo realmente. Ella es una niña que ha crecido entre escenarios. Fiestas, vestidos Haute Coutour, comida casera gourmet, Gelato y padres enajenados por sus carreras. Una Sofia Coppola de trece años. Un personaje que nos conmueve pues es fácil relacionarnos con sus carencias y que nos ayuda a que “Somewhere” no sea una realidad tan alejada de la nuestra.Coppola nos ha contado historias de personajes herméticos e incomprendidos. Solitarios y melancólicos. “Somewhere” no es la excepción. Nos presenta una película que se ha calificado como minimalista, un poema tranquilo, “la obra de arte que estábamos esperando”. Una película contemplativa que a través de planos largos que parecen durar para siempre, nos introduce en el estado catatónico del protagonista. Un filme donde la fotografía de Harris Savides nos deslava los tonos pastel del mundo de Coppola. Donde la música diegética nos aleja de las playlist que creaba anteriormente generando ambientes tranquilos con la ayuda de la música de Pheonix. Las aguas tranquilas de esta película nunca se levantan, ni siquiera en su clímax.La película tiene su poesía. Tomas que se vuelven interesantes y nos adentran en personaje. El yeso de un brazo que se extiende hasta su rostro, encerrando al personaje en el mundo falso para luego mostrarle una vejez nada glamorosa. Los tiros del principio y el final nos dicen mucho, la primera que va a ser una película para contemplar, y la última, que Coppola sigue haciendo videos musicales y comerciales. El final es cliché, exagerado. Johnny Marco toma su Ferrari, en el que pasa la mitad de la película andando, y lo deja en una carretera, donde comienza a caminar, sin nada material y sin un rumbo definido.Una película que busca acercarse a un estilo Naturalista, como los poemas visuales que creó Tarkovsky, pero que con su fondo nos aleja de la película, pues es el pasado en el que Sofia Coppola aún se resguarda y solamente ella conoce. Viene siendo la misma historia que ya nos contó. ¿Se logra el cometido de la película?, yo creo que si. Retrata un mundo el que ella reconoce como suyo. Nos quiere mostrar lo que ella misma vivió en su infancia. Algo que ya hizo en sus dos cintas anteriores: Lost in Translation y Marie Antoinette. Puede que nos guste, o puede que no. Lo más probable es que si lo haga, pues muchos son adictos a los medios, los tabloides, la moda y la actualidad. Pero debemos aceptar que nadie se atreve a mostrar el medio elite de entretenimiento en el pocos tienen el “privilegio” de crecer.
- Jan 05, 11Es interesante cuando un Autor crea su obra sobre un contexto que no es el suyo. El ejemplo más claro es Luis Buñuel con “Los Olvidados” de 1950. El director español narra con destreza y cojones la historia de un México con desigualdad social, con personajes trastornados a causa del hoyo sin fondo que se les presenta como realidad. Buñuel escupe verdad, pero antes hace arte. Crea un mundo y analiza una sociedad desde un PUNTO DE VISTA lo bastante coherente para ser censurado y criticado en su época. Al hacer una película con tal presencia más bien discurso, algo tiene que surgir. Malo, bueno, pretencioso, correcto ó estúpido pero todo mundo opina, y todo mundo se siente hasta cierto punto tocado por la película.Llegó “Biutiful”, el nuevo trabajo del director que inició como publicista y locutor de radio, Alejandro González Iñárritu. Llega la película, y sin Guillermo Arriaga, que espanto. ¿Qué le podrá salir a Iñarritu sin el “guión” de Memo Arriaga? Todo mundo sabe que ellos acabaron mal. Se expusieron como divas a los medios. La crítica (audaz como siempre) tenía listas sus mejores armas para destrozarla. Snobs preparados para comerse vivo al director mexicano. En Barcelona se le odió por sus métodos de trabajo al momento de rodar. Según todos, nada bueno saldría de ahí.Pero como ya comentaba, todo mundo tuvo su opinión. Alguna polémica burda tuvo que generar. “Los Olvidados” de Buñuel lo había hecho años atrás en un México cuadrado y desorientado. ¿Biutiful logró trascender? La critica dirá que no. Nosotros sabemos que si.El guión basa su estructura en un género puro, la tragedia. No es fácil hacer tragedia. No te encuentras todos los días tragedias en tu cine favorito. El hombre contra la muerte, un conflicto lo bastante elegante y siniestro para nuestro protagonista que Interpreta el tan nombrado Javier Bardem. El guión se trabaja en base a la muerte, al camino que emprenderá Uxbal (protagonista) hacia su destino. Será tedioso para muchos. Pero es necesario entender que las tragedias así se manejan, son caminos grandes y desesperados. ¿Es necesario leer a Euripides para entender eso? El personaje está bien diseñado, ya que al montarlo sobre un contexto decadente, él por si sólo evoluciona, genera un cambio desolador. A eso le podemos sumar una gran habilidad de Iñárritu al dirigir hacia lo que busca a sus actores. Cualidad que ha ido perfeccionando a lo largo de tres largometrajes. Plantea muy bien sus condiciones y parece ser que Bardem siendo el gran actor que es, le entiende cada sílaba. Comunicación director – actor.Rodrigo Prieto (el fotógrafo) genera ambientes sórdidos con esa gama de colores tan particular de su “etapa Iñarritu”. Sigue con las cámaras en mano. Movimientos bruscos que refuerzan el tono de Bardem en la película. Una visión clara de una Barcelona muy particular. Altos contrastes en color y sobreExposiciones melancólicas y poéticas. La forma que le da Iñarritu a Buitiful maneja un naturalismo decadente que le hemos visto al cine de los hermanos Dardenne ó a Francois Ozon. Sumado a esto las texturas sonoras que crea el gran Gustavo Santaolalla nos hacen empatizar y entender más el áspero conflicto que Uxbal sobrelleva en la película.Biutiful mantiene el tono correcto en muchos aspectos importantes como la fotografía, el sonido, la dirección de actores y sobre todo la historia en si. Abre un circulo que sumerge al espectador en la agonía del protagonista. También retrata una ciudad. Sus carencias, su bipolaridad. Habla de las mayorías que se han vuelto minorías. Nos muestra como funcionan algunas partes de un sistema que es indestructible. Aún así, lo más destacado que nos entrega el mexicano, es un poema sórdido y una visión estudiada da la vida, la muerte y la condición tan vulnerable de la familia en la actualidad.
- Jan 03, 11Este pequeño espacio se trata de alejar de algunas críticas baratas y pretenciosas. Simplemente se busca profundizar en las cualidades y errores de un trabajo cinematográfico. En base en la objetividad que el cine como arte nos puede aportar.Sabemos que hay material y autores bastos en este tan desviado medio y al final tratamos de dejar el gusto de lado, cosa que no se hace en la llamada “crítica de cine”. Al final, el cine es un producto que todos consumimos. Desde Carl Theodore Dreyer, pasando por Woody Allen y hasta llegar a Michael Bay o Ben Stiller. Todo se vende y al final tú pagas la entrada, ilusionado o no pero pagas por ver el trabajo de estas personas. Es por esto, que al final de todo este proceso, el único juez es el público. No los críticos de T.V. ni los medios en general. El público manda. Y al final generar opiniones en base al sentimiento puro y la técnica devastadora que tenga la película. Por eso son, opiniones. Ya que a todos como espectadores nos impactan de diferentes formas y canales algunas piezas de arte. El arte es un espejo, el cine en uno de los más accesibles. Nosotros te damos el primer reflejo para llegar a ver la imagen completa.
